NOTA: Por motivos de relevância temporal, esta Segunda será novamente de Sucessos. Voltamos às Séries na próxima semana.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Apesar de ser, hoje em dia, um dos conceitos mais 'batidos' e reutilizados do panorama televisivo mundial – a ponto de muita gente o considerar já cansado e com pouco interesse – o concurso de talentos musicais era, ainda, um género totalmente novo e 'fresco' na televisão portuguesa em meados dos anos 90. Sim, havia o Sequim D'Ouro e o inevitável Festival da Canção, mas ambos eram espectáculos de índole mais tradicional, (ainda) sem o 'glamour' e entusiasmo que mais tarde marcaria o formato.

Assim, não é de admirar que o 'Chuva de Estrelas', um dos programas-âncora da nova, independente e 'rebelde' SIC, tivesse almejado o mega-sucesso de audiências aquando da sua estreia, há cerca de trinta anos. O conceito de jovens cantores em competição directa uns com os outros, e a fazer as suas próprias rendições de temas mundialmente famosos, não tardou a atrair a atenção de grande parte da audiência, que passou a seguir com atenção as eliminatórias e, por consequência, assistiu em primeira mão ao dealbar e ascensão de uma talentosa adolescente, que em 1994, com dezasseis anos recém-completos, se sagraria vencedora da primeira temporada do concurso, com a sua versão de “One Moment In Time” e, meses depois, repetiria o feito em pleno Festival da Canção, terminando por levar o tema “Chamar a Música” a uma das melhores classificações de sempre para Portugal no Festival da Eurovisão, ao atingir o oitavo lugar. Chamava-se Sara Alexandra Lima Tavares, e acaba de falecer, com apenas quarenta e cinco anos, deixando um considerável vazio no panorama da música 'étnica' e 'world music' portuguesas.

Sara interpretaria o mesmo tema, que a tornou famosa nos dois Festivais da Canção em que participou, ambos em 1994, quando a cantora tinha apenas dezasseis anos.

De ascendência cabo-verdiana, Sara não teve um início de vida propriamente fácil, tendo sido deixada a cargo de uma pessoa de confiança quando a mãe, recém-divorciada, se mudava com os restantes filhos para o Sul de Portugal. As dificuldades não impediram, no entanto, que Sara demonstrasse desde cedo talento para a música, o qual cultivaria desde essa tenra idade, permitindo-lhe estar em posição para concretizar o seu triplo feito enquanto ainda aluna do ensino secundário. No entanto, apesar do sucesso que tal façanha lhe rendeu, e de a mesma a ter posto nas 'bocas do Mundo' naquele ano de 1994, passariam ainda dois anos até que Sara editasse o seu primeiro registo oficial, um EP gravado em colaboração com o grupo Shout. No mesmo ano, daria voz à música cantada pela cigana Esmeralda em 'O Corcunda de Notre Dame', o então mais recente êxito da Walt Disney, numa versão que seria considerada pela própria 'casa do Rato Mickey' como a melhor adaptação internacional da música em causa.

O registo de estreia da cantora, gravado com o grupo vocal Shout.

Os anos seguintes veriam Sara Tavares continuar a 'somar e seguir' na carreira, com participações no espectáculo musical de tributo a George Gershwin na Expo '98, colaborações com o popular grupo pop-rock Ala dos Namorados e, finalmente, a edição do seu primeiro álbum de longa-duração, 'Mi Ma Bô', editado no último ano do século XX e cujo título, em crioulo cabo-verdiano, remetia às suas raízes. Apesar do sucesso do mesmo, no entanto, o nome da cantora continuaria, em inícios do Terceiro Milénio, a surgir sobretudo ligado à gravação de músicas individuais para discos de tributo ou colaborações com outros músicos, vindo o segundo registo, 'Balancé', a sair apenas em 2005, mais de uma década após o 'momento' mediático da cantora. Mesmo assim, o interesse pela música de Sara continuava a existir, como o provam as vendas de Ouro do disco, e a selecção de uma das suas músicas para uma campanha do Millennium BCP.

Os dois primeiros álbuns da cantora, de 1999 e 2005, respectivamente...

Mais quatro anos se passariam, no entanto, até Sara voltar a editar um disco. 'Xinti', lançado dez anos depois da estreia com 'Mi Ma Bô', surgia já depois de a cantora ter lançado o primeiro DVD, 'Alive in Lisboa' e viria a suscitar mais um sem-número de colaborações, com artistas tão díspares como Nelly Furtado e Buraka Som Sistema. Assim, até ao advento do disco seguinte, 'Fitxadu', passar-se-iam nada menos do que oito anos, em que o nome Sara Tavares se manteria relevante sobretudo no contexto da participação em faixas de outros artistas.

...e os dois últimos, lançados em 2009 e 2013.

Sem que ninguém soubesse, no entanto, esse viria mesmo a ficar para a História como o último registo da cantora, que viria a falecer seis anos depois (a 19 de Novembro último, um dia depois da publicação original deste post e poucos meses depois da morte da 'musa' Tina Turner, cuja música a lançara) em consequência de um tumor cerebral diagnosticado uma década antes, em 2013. Uma perda trágica, não só por Sara fazer parte da geração que marcou, e que frequenta este nosso blog, mas também pelo talento que a cantora demonstrou ao longo de uma carreira que, apesar de apenas fugazmente mediática, ficou pautada pelas inúmeras e sonantes colaborações, e por vários registos de qualidade uniformemente alta, que marcaram a 'world music' em Portugal. Que descanse em paz.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Apesar de não ser especialmente comum, o caso de um artista obter mais sucesso num país estrangeiro do que no seu de origem não é, de todo, inaudito; antes pelo contrário, o Portugal dos anos 90 assistiu a pelo menos três ocorrências deste fenómeno, com Iran Costa, em 1995, e Netinho, em 1998, a 'desbravarem caminho' para aquele que viria a ser o exemplo definitivo deste paradigma, tomando de assalto os 'tops' portugueses durante grande parte deste último ano, e batendo recordes de vendas para um único disco ainda hoje vigentes. Falamos, é claro, de Daniela Mercury, a cantora pop brasileira cujo quarto disco, 'Feijão com Arroz', atingiu em Portugal a marca de sêxtupla platina (correspondente à venda de quase 250 mil unidades) e inscreveu o seu nome no livro de recordes nacional como o álbum mais vendido de sempre no nosso País, além de dar às rádios nacionais um 'hit' perene para as suas 'playlists', na forma do single 'Nobre Vagabundo'.

À primeira vista, todo este sucesso pouco tem de invulgar; a surpresa chega quando se percebe que, apesar de ser já o quarto lançamento da cantora, este é o álbum de revelação de Daniela Mercury no mercado português. De facto, apesar de gozar já de enorme sucesso no seu país natal (onde 'Feijão com Arroz' é apenas o segundo álbum mais vendido da sua carreira, ficando atrás do anterior 'O Canto da Cidade') a cantora tinha, até então, sido incapaz de expandir o seu raio de acção a mercados internacionais, uma situação que mudou da forma mais drástica possível quando 'Nobre Vagabundo' pôs meio mundo a perguntar quanto tempo tinha para matar essa saudade, e um em quatro lares portugueses a investir na compra do disco – prova do poder que um single forte continua(va) a ter sobre o melómano casual.

Surpreendente é, também, o facto de – ao contrário da conterrânea Ivete Sangalo, alguns anos depois – o apelo de Mercury junto do público português não ter sido sustentado, não havendo registo de qualquer outro álbum na carreira da cantora cujos números sequer se aproximassem dos de 'Feijão com Arroz'. Assim, à semelhança do supracitado Netinho, Daniela veria o seu legado por terras lusitanas ficar-se por um single 'arrasa-quarteirões' e um disco recordista de vendas, não tendo qualquer destes dois factores almejado o seguimento que naturalmente se lhes previa; de facto, a cantora brasileira escapa por muito pouco ao rótulo de 'one-hit wonder' no contexto do mercado fonográfico em Portugal.

A carreira da cantora em si esteve longe de declinar após este marco, entenda-se – pelo contrário, Mercury viria a cantar com Alejandro Sanz e Paul McCartney (este último na cerimónia de entrega do Prémio Nobel da Paz) e tocar em conceituados festivais de jazz; em Portugal, no entanto, a natural da Bahia continua a ser conhecida, sobretudo, como a artista que, com apenas um único disco, conseguiu tornar-se o terceiro nome musical mais vendido de sempre no nosso País, apenas atrás de Julio Iglesias e do conterrâneo Roberto Carlos; no total, foram mais de um milhão de discos vendidos no último quarto de século – uma marca impressionante por parte de uma artista que dominou por completo os 'tops' de vendas em 1998, mas que continua a ser, sobretudo, conhecida por essa já decana façanha...

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Por vezes, no mundo da música, sucede um fenómeno curioso, mediante o qual um determinado país ou região cria laços afectivos com um artista ou grupo estrangeiro, a ponto de o mesmo ser acarinhado como se de um 'produto' nacional se tratasse. É, ainda hoje, o caso, por exemplo, com o Brasil e Argentina em relação aos Iron Maiden e KISS, do Japão em relação a Ozzy Osbourne, e – como veremos neste post – de Portugal com os alemães Guano Apes.

De facto, durante o auge da sua popularidade, em finais dos anos 90, parecia não passar um ano sem que a banda de Sandra Nasic, Henning Rümenapp, Steffan Ude e Dennis Poschwatta fizesse mais uma paragem em algum palco português – normalmente num dos inúmeros festivais de Verão realizados à época, um pouco à semelhança do que se passaria também com os Metallica na década seguinte - ou até mesmo num programa de televisão, por mais incongruente que este fosse com o seu estilo musical. E, para ser sincero, o público lusitano também não parecia cansar-se de ouvir sucessos como 'Lords of the Boards', 'Rain', 'Open Your Eyes' ou a versão 'rockalhada' para 'Big In Japan', original dos Alphaville – tudo temas repetidos quase em 'loop' nas rádios 'alternativas' portuguesas, sobretudo na saudosa e influente Mega FM. E depois, de repente, tudo parou; o grupo deixou de gozar do sucesso que anteriormente conhecia, e o nome Guano Apes desapareceu do léxico musical dos jovens afeitos ao rock alternativo.

O concerto da banda na edição de 2000 do Festival do Sudoeste, e a inesperada aparição programa 'Herman 99', sucessor de 'Herman 98' na grelha da SIC são apenas duas das muitas presenças dos Apes no nosso País por alturas da viragem do Milénio.

As razões para tão abrupto 'esquecimento' são incertas, sendo que, mesmo tendo em conta o decréscimo de sucesso do primeiro para o segundo álbum, o grupo continuou a ser bastante popular tanto entre entusiastas do movimento 'nu-metal' (nas franjas do qual a banda vinha caminhando) como do rock alternativo mais melódico, mas ainda assim cheio de atitude, ao estilo de umas Hole ou Veruca Salt. Mas se 'Don't Give Me Names' (de 2000) ainda teve a 'cover' de Alphaville, 'Don't Give Me Names' (de 2003) não gozou da mesma sorte, apesar da presença de pelo menos um tema tão bom quanto os dos dois primeiros álbuns, o explosivo 'Dick'. A total indiferença a que o dito lançamento foi votado, aliado às habituais 'diferenças criativas', viria, aliás, a ditar o fim dos Guano Apes, que entravam em hiato em 2006 para prosseguir outros projectos, nenhum dos quais teve qualquer repercussão em Portugal.

Parecia ser o fim do 'caso' amoroso entre os 'roqueiros' alternativos alemães e o público lusitano; no entanto, como sucede em tantos outros casos, a história dos Guano Apes viria mesmo a ter, mais do que um epílogo, uma sequela, já que o grupo se voltaria a reunir apenas três anos depois, e lançaria ainda mais dois discos de estúdio, 'Bel-Air' (de 2001) e o derradeiro 'Offline' (de 2013), além de uma edição especial comemorativa dos vinte anos de 'Proud Like a God'. As visitas a Portugal, essas, mantêm-se até aos dias de hoje, tendo o grupo actuado no nosso País há apenas dois dias, aquando da escrita deste post, no caso na concentração 'motard' de Faro. E embora o seu público esteja – como os próprios músicos – mais envelhecido e enrugado do que há um quarto de século, é de crer que as gargantas continuem afinadas para 'berrar' em uníssono os grandes sucessos de antanho; afinal, uma verdadeira paixão nunca morre completamente, apenas esmorece...

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Todo e qualquer período temporal contemporâneo é definido – entre outros factores – por um número mais ou menos restrito de composições musicais, cuja audição é, a qualquer momento, suficiente para transportar o ouvinte para determinada altura da História, seja da sua pessoal, seja da mais vasta e global; e, para grande parte das gerações 'X' e 'Millennial' portuguesas, uma dessas músicas envolve uma vocalista de voz rouca a perguntar repetidamente o que se passa.

Sim, essa mesmo – 'What's Up?', das 4 Non Blondes, um grupo de três 'senhoras' e um 'cavalheiro' (nenhum dos quais, como o nome indicava, de cabelo sequer remotamente loiro) praticante de pop-rock 'com guitarras' e levemente alternativo, e que, na transição do ano de 1992 para 1993, produziria uma das músicas mais icónicas, reconhecíveis e bem-sucedidas de toda a década, que ajudaria a catapultar as vendas do seu único álbum, lançado na Primavera anterior. E ainda que rotular a banda de 'one-hit wonder' seja algo injusto – o outro 'single' do álbum, 'Spaceman', conheceu também, à época, algum sucesso – é inegável que a balada em causa constitui mesmo o principal legado de um colectivo que, em termos discográficos, não resistiria à passagem para a segunda metade da década de 90.

A formação clássica do grupo.

Ainda assim, nos dois anos em que brilhou intensamente nos 'tops' mundiais, a banda comandada pela carismática Linda Perry – e que contava ainda com Christa Hillhouse, Shaunna Hall, e com o baterista luso-descendente Roger Rocha, único representante masculino no grupo, que substituiu Dawn Richardson já depois de terminadas as gravações – conseguiu conquistar o apoio do público LGBT, passar mais de um ano ininterrupto no mais famoso 'top' musical do Mundo (a tabela da Billboard norte-americana) e vender mais de um milhão e meio de cópias do seu único álbum de estúdio.

O único álbum do grupo, de onde saíram os sucessos 'What's Up?' e 'Spaceman'.

À entrada para o ano de 1994, tudo parecia correr de feição ao grupo californiano, que lançava um álbum ao vivo, gravado em Itália, e contribuía com faixas para bandas-sonoras de filmes de grande orçamento (a segunda parte de 'Quanto Mais Idiota Melhor' e o muito semelhante 'Cabeças de Vento', com Adam Sandler, Brendan Fraser e Steve Buscemi) e para tributos aos Carpenters e aos Led Zeppelin – dois grupos que ilustravam bem a panóplia de influências da banda.

Mas como tudo o que é bom chega, inevitavelmente, ao fim, ainda nesse mesmo ano, dá-se o choque: Linda Perry deixa o grupo de que se tornara imagem de marca. Sem qualquer desejo (nem hipótese) de substituir tão carismática figura, e tão inimitável voz, resta apenas ao grupo separar-se, pondo final a uma trajectória que nem chegaria a durar meia década, mas que deixaria pelo menos um marco incontornável na História do pop-rock radiofónico de finais do século XX – isto, claro, como grupo, já que Perry contribuiria, na qualidade de co-autora e produtora, para colocar muitas mais faixas históricas e memoráveis nos 'tops' mundiais, interpretadas por nomes como Pink, Christina Aguilera, Alicia Keys, Gwen Stefani, Courtney Love ou Kelly Osbourne.

Ao contrário do que sucede com tantas outras bandas, as 4 Non Blondes não se voltariam a reunir, excepção feita a um concerto de beneficência em prol do centro de acolhimento para jovens LGBT, em Maio de 2014, e à participação de Hillhouse e Hall na 'tournée' a solo de Linda Perry. Assim, o quarteto de 'não-loiros' acaba, voluntariamente, por se afirmar como um grupo 'do seu tempo', e que provavelmente teria tido menos espaço e impacto após o 'boom' do pop-rock alternativo e melancólico, na segunda metade dos anos 90. Ainda assim, para um colectivo com tão curto tempo de vida, as 4 Non Blondes conseguiram assegurar que o seu nome fosse lembrado por pelo menos duas gerações de melómanos ao redor do Mundo, Portugal incluído – e fizeram-no através de uma frase tão simples quanto 'I said hey, what's going on?'

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Na última Sessão de Sexta, abordámos aquele que foi um dos filmes de maior sucesso no ano de 1993 – 'O Guarda-Costas', o drama romântico que unia o então galã 'de primeira' Kevin Costner à mega-popular diva pop Whitney Houston, que fazia assim a sua estreia cinematográfica. No decurso dessa peça, referimos também que o sucesso da referida película havia sido consideravelmente ultrapassado pelo da sua banda-sonora, que se viria a tornar o LP mais vendido do ano em Portugal e um pouco por todo o Mundo; agora, chega a hora de expandirmos um pouco essa temática, e analisarmos mais a fundo um daqueles 'mega-sucessos' discográficos como cada vez vai havendo menos.

A banda sonora d''O Guarda-Costas' segue o mesmo modelo de outras, como 'Tarzan', da Disney, cujo principal destaque é a presença de um compositor ou intérprete – neste caso, a própria cantora, que se encarrega de metade das faixas do álbum (a outra metade pertence a nomes como Kenny G, Lisa Stansfield ou Joe Cocker, todos, como Houston, com temas inéditos e gravados em exclusivo para o filme). Assim, mais do que uma banda sonora comum, este álbum acaba por afirmar-se quase como um novo EP (ou mini-LP, como eram conhecidos na altura) de Whitney, podendo os fãs da cantora ignorar a segunda metade do álbum, se assim desejarem, e focar-se apenas na mão-cheia de músicas inéditas da sua 'diva' favorita – um aspecto que talvez tenha contribuído para as vendas astronómicas deste álbum à época (além, claro está, da popularidade do filme em si).

Outro factor determinante na 'cavalgada' deste disco para o topo das tabelas discográficas de Portugal e do Mundo é o facto de o primeiro dos seis novos temas, e faixa de abertura do álbum, ser 'I Will Always Love You', tema-estandarte de Whitney Houston, e talvez o mais popular dos seus muitos sucessos. E a verdade é que a faixa merece a aclamação de que goza, apresentando uma prestação portentosa por parte da cantora, que ajudaria a cimentar a mesma no panteão de grandes vozes da música moderna. Entre as restantes, destaque também para 'I'm Every Woman', um clássico da era 'disco' originalmente gravado por Chaka Khan e que mostrava a versatilidade da cantora, ao mesmo tempo que prestava homenagem a influências como Aretha Franklin, Tina Turner ou a própria intérprete original da música.

Em suma, analisando os factores em torno do sucesso desta banda sonora, torna-se fácil perceber a razão do mesmo, que passa por uma estratégia de 'marketing' inteligente, que aliava a presença de um nome sonante da música pop da época a temas exclusivamente originais (ainda que muitos fossem versões de músicas gravadas em décadas anteriores por diferentes artistas), cerca de metade dos quais interpretado pela própria 'estrela' – uma combinação que ajudou a fazer deste disco o mega-sucesso que constituiu, e que torna surpreendente o facto de essa mesma abordagem não ter sido repetida com maior frequência.

À distância de trinta anos, e com um panorama musical significativamente diferente, a banda sonora original de um filme romântico entretanto esquecido pode parecer uma escolha estranha para o posto de disco mais vendido mundialmente, seja em 1993 ou em qualquer outro ano; a verdade, no entanto, é que o 'star power' de Whitney Houston naqueles inícios de 90 era tal que chegava, por si só, para causar esse efeito, e tornar este álbum num dos 'objectos de estudo' do mercado musical de finais do século XX.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Os anos finais do Segundo Milénio foram um período notoriamente inclemente para Portugal no que ao Festival da Eurovisão diz respeito, com o País a ser, inevitavelmente, eliminado da meia-final ou – na melhor das hipóteses – 'corrido' nos últimos lugares da tabela classificativa, com os já famosos 'null points'. No entanto, conforme recordámos aquando da nossa retrospectiva por alturas do Festival no ano transacto, houve, durante essa fase menos boa, duas excepções à regra (curiosamente, em anos consecutivos) que não só conseguiram boas classificações na Eurovisão, mas também tornar-se sucessos de vendas após o fim do mesmo. Um deles foi 'Chamar a Música', grande êxito da vencedora do 'Chuva de Estrelas', Sara Tavares; o outro, um ano antes, foi 'A Cidade Até Ser Dia', música-título e de apresentação do terceiro álbum de Anabela Vaz Pires, normalmente conhecida apenas pelo seu primeiro nome. E porque, aquando da Eurovisão deste ano, deixámos passar a oportunidade de falar deste 'megahit' que então completava trinta anos, vimos agora – cerca de um mês depois – falar daquele que foi um dos maiores êxitos do Verão de 1993, e da carreira da cantora ainda adolescente, mas já veterana, que o levou aos palcos internacionais.

De facto, o que muitos dos que trautearam e parodiaram esta música durante o seu momento de fama talvez nunca tenham sabido é que o tema em causa estava longe de representar a revelação daquela 'miúda' de dezasseis anos e 'carinha laroca'; pelo contrário, antes da exposição mediática granjeada pelo concurso europeu de música, a faixa era apenas mais um 'single' numa carreira que começara oito anos antes, e cujo primeiro registo, um LP-single intitulado 'Rock do Amor', havia sido lançado ainda antes de Anabela atingir a puberdade. Tão-pouco era esta a primeira aventura de Anabela pelos palcos internacionais, já que, quatro anos antes do festival em causa, já a menina de então apenas doze anos se havia sagrado vice-campeã no Festival de Música da UNICEF, do qual também traria um prémio especial relativo à melhor interpretação. Dois anos depois – em 1991, mesmo ano em que sai o disco de estreia – Anabela tem nova aventura internacional, ao participar, com apenas catorze anos, no Festival Internacional da Canção de Sopot, na Polónia.

Torna-se, pois, aparente que, apesar da tenra idade, a Anabela que traria honra a Portugal na Eurovisão pela primeira vez em várias décadas era tudo menos uma iniciante, tendo já passado, literalmente, metade da sua vida a cantar, ou em palco. Ainda assim, para muita gente, aquela omnipresente faixa 'europeia' foi mesmo o primeiro (e último) contacto com a jovem artista, que continua até hoje a ser um dos mais famosos 'one-hit wonders' da música portuguesa.

De facto, e curiosamente, seria noutro campo completamente distinto que Anabela se viria a consagrar – nomeadamente, no teatro de revista, onde se tornou uma das 'musas' do monopolista Filipe La Féria. A restante carreira da cantora seria, assim, passada a alternar entre estas duas paixões, tendo mesmo a música passado, a dada altura, para segundo plano – Anabela lançaria apenas mais dois álbuns nos anos noventa, antes de embarcar num hiato discográfico de cerca de uma década, tendo todo o seu foco passado a centrar-se no teatro.

Mesmo quando decide regressar às edições musicais, em 2005, a cantora deixa bem claro que não pretende seguir no mesmo registo dos seus anos de adolescência, optando por uma veia mais experimental em 'Aether', cujas faixas consistem de poemas da autoria de alguns dos maiores poetas portugueses. O álbum seguinte, lançado cinco anos depois, optaria por uma abordagem exactamente inversa, apresentado versões de músicas do chamado 'nacional-cançonetismo', num registo mais leve e popular; novo disco de originais, no entanto, só em 2015, já depois de Anabela ter sido uma das 'Vozes do Coração' na colecção homónima de discos lançada pelo Correio da Manhã dois anos antes. 'Casa Alegre' é, aliás, o último registo da cantora até à data, sendo que o foco de Anabela se encontra, presentemente, na família, tendo a mesma sido mãe pela primeira vez em 2017.

Anabela na actualidade

Para a maioria da população portuguesa, no entanto – pelo menos para quem não aprecia 'revistas' – Anabela será, para sempre, aquela jovem de vestido branco-creme, cujo tema de participação na Eurovisão serviu de base, durante aquele ano, para um sem-número de paródias, anedotas, e outras criações do tipo hoje conhecido como 'meme'; a música, essa, continua a 'alojar-se' de imediato no cérebro de quem sequer ouse pensar nela, e, trinta anos após o seu lançamento e período de maior sucesso, continua a merecer o estatuto que granjeou como parte da cultura popular portuguesa moderna. 'Quaaando caaaaai a noooooite naaaa cidaaaaadeeee...'

Em Segundas alternadas, o Anos 90 recorda algumas das séries mais marcantes para os miúdos daquela década, sejam animadas ou de acção real.

A década de 80 foi a época dos grandes heróis de acção, capazes de resolver conflitos por si só, à força de murros, balas e explosões; dos ex-soldados normalmente interpretados por Schwarzenegger e Stallone (ainda longe da sua fase como actores de comédia) aos mercenários do Esquadrão Classe A ou artistas marciais como os vividos por Van Damme, eram muitos os ídolos musculados à disposição dos 'putos' daquela época. No entanto, a estes 'brutamontes' de bom coração, contrapunha-se uma outra vertente de herói, mais 'cerebral' e capaz de escapar de situações complicadas usando a inteligência e espírito de 'desenrasca', que tinha como símbolos máximos o James Bond de Timothy Dalton e mais tarde Pierce Brosnan, e o homem de que falamos esta semana, o lendário Angus MacGyver, protagonista da série com o mesmo nome.

Surgido nos ecrãs portugueses no ocaso da década de 80 – mais concretamente a 24 de Setembro de 1989 – o lendário agente secreto vivido por Richard Dean Anderson rapidamente se destacou da 'concorrência' pela sua extraordinária capacidade de resolver qualquer situação apenas com recurso ao seu canivete suíço e a objectos presentes nas suas imediações, sendo o exemplo 'memético' normalmente utilizado o de abrir uma fechadura com um 'clipse'. E, enquanto 'solucionador de problemas' da agência governamental american Phoenix, a verdade é que não faltam oportunidades para MacGyver testar o seu engenho, e derrotar os diversos vilões que se atravessam no seu caminho sem nunca recorrer a armas de fogo, às quais tem aversão devido a uma tragédia pessoal.

O carismático Richard Dean Anderson dava vida ao agente americano.

O resultado são cenas de acção e peripécias capazes de deixar os espectadores da época – sobretudo os mais novos – 'colados' ao sofá, a ver como as 'MacGyvaradas' do agente o vão ajudar a ultrapassar o obstáculo da semana. E apesar de a série, já na altura, não ser 'topo de gama' a nível da produção, a verdade é que as 'acrobacias' de Anderson, juntamente com uma actuação personalizada (e, claro, um DAQUELES genéricos absolutamente lendários) davam à série um charme que lhe valeu o estatuto de 'culto' em vários países, entre eles Portugal, por onde 'MacGyver' teve uma passagem curta, mas memorável – embora não bem-sucedida o suficiente para justificar a transmissão dos dois filmes televisivos alusivos ao agente, produzidos em 1994.

Facto curioso: quase nos esquecíamos de mencionar este clássico absoluto  dos genéricos televisivos neste post; felizmente, ainda nos lembrámos a tempo...

Ainda assim, foi com naturalidade que 'MacGyver' entrou, em décadas subsequentes, na rotação nostálgica de canais como a RTP Memória, onde a série repetiu, não uma, mas duas vezes, em 2010 e 2019. Falta de 'material' original para exibir por parte da emissora estatal, ou prova do carinho de que a série continua a gozar no nosso País? Que diga de sua justiça quem, nos anos formativos, se sentou em frente à televisão aos Domingos, pelas 19 horas, para ver um homem arrombar uma porta trancada com um 'clipse' e um bocado de pastilha elástica...

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Depois de na passada edição desta rubrica termos verificado a prevalência de um disco sobre todos os outros no que toca a volumes de vendas durante o ano de 1992, nada melhor do que dedicarmos algumas linhas ao grupo que os lançou, e que constituiu talvez o primeiro 'supergrupo' cem por cento português, anos antes dos Rio Grande: o projecto Resistência.

Centrado em torno de Pedro Ayres de Magalhães, guitarrista dos Madredeus, este projecto reuniu músicos de várias das maiores bandas do cenário musical português, com ênfase no pop-rock, mas aberto também a outros estilos. A formação inicial, por exemplo – a que participou numa sessão experimental durante a Feira do Livro de Lisboa de 1989 – contava com a colega do fundador nos Madredeus, Teresa Salgueiro, ao lado de Anabela Duarte, dos Mler Ife Dada, e Filipa Pais, então dos Lua Extravagante.

As 'senhoras' acabariam, no entanto, por não colaborar com o músico além dessa sessão (se descontarmos, claro, a carreira dos próprios Madredeus), sendo substituídas por um elenco de luxo: Tim (dos eternos Xutos), Miguel Ângelo (dos então super-populares Delfins) e um ainda desconhecido Olavo Bilac, ainda a um par de anos de explodir com os Santos & Pecadores, bem apoiados por uma banda onde se destacavam Fernando Cunha (também dos Delfins) José Salgueiro (dos Trovante) e o veterano guitarrista-acompanhante Fernando Júdice (mais tarde também dos Madredeus).

Seria com este alinhamento que a banda viria a lançar o álbum que dominou as vendas fonográficas em Portugal em 1992, mas que na verdade foi composto e lançado no ano anterior – a estreia 'Palavras ao Vento', cujo alinhamento é um verdadeiro desfilar de êxitos dos músicos envolvidos, de 'Nasce Selvagem' e 'Não Sou o Único' (estrondosa duologia de abertura) ao final com 'Circo de Feras'. O denominador comum em todas estas regravações era uma maior ênfase na voz por oposição à tradicional estrutura pop-rock, uma proposta que acabava por diferenciar o grupo das bandas originais dos seus integrantes, e que contribuiu para o seu considerável, ainda que breve, sucesso.

A estrondosamente bem-sucedida estreia do grupo.

O êxito de 'Palavras' motivou o grupo à gravação, ainda em 1992, de um segundo álbum, o também excelente 'Mano A Mano', que contava com novas versões de músicas como 'Um Lugar ao Sol', 'Amanhã É Sempre Longe Demais', 'Traz Outro Amigo Também' (de Zeca Afonso) e a pré-memética 'Timor', que qualquer 'puto' da época cantava no tom mais gozão possível para divertir os amigos no recreio.

O segundo álbum do grupo.

Mais uma vez, o sucesso foi considerável, e no ano seguinte (há pouco menos de trinta anos) era lançado um disco ao vivo do grupo, 'Ao Vivo no Armazém 22', que incluía algum material original em meio às versões. Ainda em 1993, o grupo é convidado a participar no primeiro espectáculo 'Portugal Ao Vivo', com lugar no Estádio José Alvalade, em Lisboa.

O registo ao vivo de 1993

Com tanto sucesso e procura, nada fazia prever o fim dos Resistência – e, no entanto, foi precisamente isso que sucedeu. O grupo ainda participaria em discos de tributo a Zeca Afonso e António Variações (ambos de 1994), mas o contratualizado quarto álbum para a BMG nunca se chegaria a materializar, sendo que o grupo se viria a dissolver em 1995, quando os músicos decidiram prioritizar os seus projectos de origem.

Mas como na música – tal como na banda desenhada – ninguém nunca 'desaparece' de vez, também os Resistência se viriam, eventualmente, a reunir, ainda que tal efeméride viesse a demorar nada menos do que dezassete anos. Foi em 2012 que o lançamento de uma colectânea e um par de concertos de celebração de vinte anos, em Lisboa e Guimarães, dariam azo a uma mini-turnê, com passagem por mais uma edição do Portugal ao Vivo, desta vez no Estádio do Restelo, também em Lisboa. Dois anos volvidos, aquilo por que já ninguém esperava viria mesmo a acontecer: saía o quarto álbum dos Resistência, intitulado 'Horizonte' e lançado na editora de sempre, a BMG. A premissa, essa, era exactamente a mesma que fizera o sucesso do grupo duas décadas antes: novas versões de músicas de grupos como Madredeus, Rádio Macau, Delfins e Xutos.

O álbum de regresso do grupo.

Estava dado o mote para um ressurgimento de carreira que – até à data – inclui mais dois álbuns de estúdio (em 2018 e 2019) e dois ao vivo (em 2016 e 2020), provando que a 'primeira vaga' de pop-rock nacional, e respectivos intérpretes, continuam a ter um mercado bem definido, o qual, por comparação aos próprios músicos que compõem esse movimento, nada fica a dever em Resistência...

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Apesar de a música ter, pelo menos nas últimas décadas, uma relação simbiótica com certos aspectos do desporto, e do futebol em particular (basta lembrar os eternos 'cânticos' entoados a plenos pulmões por qualquer grupo semi-organizado de adeptos, e muitas vezes baseados em verdadeiros êxitos radiofónicos) foi apenas na ponta final do século XX que esse mesmo laço começou a ser explorado, primeiro através de singles entoados pelos próprios artistas (e, invariavelmente, algo embaraçosos), depois de álbuns de temas alusivos ao desporto-rei e, finalmente, através da incorporação de temas especialmente compostos para competições específicas. E a verdade é que o primeiro exemplo desta última categoria provou, desde logo, a validade desta última experiência, afirmando-se como um sucesso transversal tanto ao reduto desportivo como ao mercado 'pop' mais alargado.

Falamos de 'La Copa de La Vida' (também muitas vezes conhecida como 'The Cup of Life' ou simplesmente 'Allez, Allez, Allez') canção 'feita por encomenda' para o Mundial de França '98, e que ajudou a cimentar o seu intérprete, Ricky Martin, enquanto 'pop star' de apelo internacional, depois de a anterior 'Maria' o ter dado a conhecer ao Mundo. E a verdade é que esse êxito e fama foram bem merecidos, já que 'The Cup of Life' é uma daquelas 'malhas' irresistíveis e intemporais, que mesmo quem não a ouve há anos consegue trautear (não haverá, certamente, quem tenha ouvido esta faixa e não se lembre, pelo menos, do refrão 'Go, go, go, allez, allez, allez!'). Grande parte desse apelo deriva, precisamente, da intepretação entusiástica de Martin, um porto-riquenho sem qualquer razão de interesse no campeonato em causa (onde nem a sua selecção nem a dos EUA competiam) mas que não deixa por isso de 'dar o litro', aliando-se à 'gingada' e contagiante batida latina (que remete ao desporto-rei através do uso de apitos na faixa instrumental) para transmitir a emoção e paixão inerentes a qualquer competição desportiva, e ainda mais à maior prova futebolística a nível internacional.

A capa do single da música.

Não é, pois, de estranhar que a referida música tenha tido 'vida' muito para lá do final do campeonato para a qual foi concebida, não só gozando de uma saudável presença nos 'tops' musicais da época como continuando a ser apreciada e até descoberta até aos dias que correm, afirmando-se como um dos melhores exemplos do poder de que um produto 'sinergístico' e 'trans-média' pode gozar, quando o seu processo de criação envolve mais coração do que calculismo – um pouco como acontece, aliás, com o próprio desporto a que alude...

NOTA: Este post é respeitante a Segunda-feira, 05 de Setembro de 2022.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Para a juventude portuguesa de finais dos anos 90 (como, presumivelmente, para as de outras décadas) há músicas que ficam, indelevelmente, ligadas a certos anos, e sobretudo à época de Verão, em que a disponibilidade e oportunidades para ouvir e apreciar música aumentam; e se o Verão de 1997 foi, sem dúvida, dominado pelo êxito dos escandinavos Aqua, 'Barbie Girl', houve outra música que – sobretudo para fãs de videojogos ou de música mais alternativa – também não deixou de marcar a segunda metade daquele ano, e a primeira do seguinte.

Falamos de 'Firestarter', primeiro single retirado do terceiro álbum de um colectivo britânico que, apesar de vir já 'fazendo algumas ondas' no seu país natal, era ainda maioritariamente desconhecido por terras lusas, situação que se alterou quando o referido tema surgiu como parte da banda sonora de 'Wipeout 2097', o jogo de corridas futurista que constituiu um dos maiores sucessos do ano - e de toda a biblioteca das consolas em que foi lançado, a Playstation e a Sega Saturn – muito graças à sua banda sonora, que incluía nomes tão sonantes no meio da electrónica como Chemical Brothers, Underworld, e o colectivo em causa, The Prodigy.

Formados no condado de Essex, a sul de Londres, logo no início da década, o projecto liderado por Liam Howlett e que tinha como 'cara' o dançarino e vocalista Keith Flint tinha, desde então, vindo a construir 'a pulso' a sua reputação entre os 'ravers' britânicos, tendo os seus dois primeiros álbuns – os excelentes 'The Prodigy Experience', de 1992, e 'Music For The Jilted Generation', de 1994 – granjeado desde logo considerável sucesso não só junto dessa mesma demografia, mas também de uma população generalista - os dois singles retirados de 'Experience', por exemplo, chegam ao Top 5 de música nas Ilhas Britãnicas, e 'Music...' ocupa o primeiro posto do 'top' de álbuns do país logo desde o seu lançamento.

No estrangeiro, no entanto, o nome 'The Prodigy' só se popularizaria mesmo após o lançamento de 'Firestarter', que – com a irreverente prestação vocal de Flint e os característicos coros de 'hey-hey-hey' – ajuda também a propulsionar as vendas do terceiro álbum do colectivo, 'The Fat of the Land'. Longe de se 'apoiar' no single e mega-sucesso, no entanto, o álbum com o icónico caranguejo na capa oferece a quem o adquire um punhado de músicas tão boas como 'Firestarter' (ou mesmo melhores, como o segundo single, 'Breathe', um dos clássicos do grupo) o que só ajuda a cimentar a reputação de Howlett, Flint e companhia junto da sua demografia-alvo – que, curiosamente, inclui uma parcela considerável de fãs de 'rock', um sector da população que, regra geral, não tende a gravitar para grupos de electrónica pura e dura como é o caso dos ingleses; o controverso tema de abertura do álbum, 'Smack My Bitch Up', era mesmo alvo de atenção por parte de rádios de pendor mais 'rock', o que talvez tenha contribuído para este sucesso inter-demográfico.

Escusado será dizer que, obtido o reconhecimento, o nome e a música dos Prodigy não tardou em começar a aparecer associado a outros meios, ficando particularmente na memória o assombroso 'trailer' da 'Manga Vídeo' editado ao som de 'Voodoo People', outro clássico do grupo, este retirado do seu segundo álbum. Naquele Verão de 1997 e inícios de 1998, o colectivo britânico parecia inescapável, tendo mesmo conseguido a 'proeza' de render a então todo-poderosa MTV aos seus encantos – 'Smack My Bitch Up' arrecadava não um, mas dois prémios na edição de 1998 dos igualmente influentes Video Music Awards realizados anualmente pelo canal.

Um dos melhores anúncios alguma vez exibidos em Portugal teve música do colectivo

O que ninguém podia prever, no entanto, era que os Prodigy entrassem em hiato menos de dois anos após o lançamento do seu maior êxito discográfico; foi, no entanto, precisamente isto que se passou, com a saída de Leeroy Thornhill, parceiro de Flint na 'linha da frente', a precipitar uma 'pausa' de três anos na carreira do colectivo. O regresso dava-se com 'Always Outnumbered, Never Outgunned', de 2001, álbum de sonoridade pouco característica e, como tal, considerado inferior e algo 'esquecido' na discografia do grupo; o verdadeiro 'som Prodigy' só retornaria, pois, em 'Invaders Must Die', de 2008, que se posiciona como o sucessor natural de 'Fat', não só pela sonoridade mas também por assinalar a reunião dos três membros originais do grupo, com Thornhill a regressar finalmente ao seio da banda. 'Omen' e a devastadora faixa-título são excelentes cartões de visita, mostrando o grupo no seu melhor e juntando-se merecidamente à lista de clássicos dos Prodigy,

Após este lançamento, no entanto, o grupo volta a não conseguir atrair atenções com os próximos dois álbuns, ficando tanto 'The Day Is My Enemy', de 2015, como 'No Tourists', de 2018, restritos apenas a uma audiência de 'fiéis convertidos' – fiéis esses que recebem com choque e horror a notícia da morte de Keith Flint, encontrado sem vida na sua casa em Essex a 4 de Março de 2019. Longe de acabar com a carreira do projecto, no entanto, a morte do vocalista, dançarino e fundador apenas inspira os dois membros restantes do projecto a lançar nova música e a partir em digressão – um objectivo que realizam em 2022, com uma série de dez datas no seu país natal a assinalar um quarto de século sobre o lançamento de 'The Fat of The Land'. E a verdade é que, ainda que esse álbum tenha, sem dúvida, apresentado o grupo a muitos futuros fãs, para outros tantos jovens portugueses, o mesmo continua a ser sinónimo com a música do grupo, e o único elemento da mesma que alguma vez conheceram. Mesmo esses, no entanto, não hesitarão em reconhecer o 'poder de fogo' de 'Firestarter', um dos maiores sucessos musicais entre a 'malta jovem' não só do seu ano, mas de toda a ponta final do século XX.