NOTA: Este 'post' é respeitante a Segunda-feira, 08 de Setembro de 2025.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

De quando em vez, as tabelas de vendas musicais mundiais são 'tomadas de assalto' por uma 'daquelas' músicas – um tema concebido, não para o assalto aos 'tops', mas apenas como uma piada (ou, no limite, algo mais experimental) e 'interpretada' por um desenho animado, um fantoche, um criador de conteúdos, alguém sem o mínimo talento musical ou, como sucedeu momentaneamente na Europa de inícios dos anos 90, uma criança pequena.

De facto, um dos mais notórios 'one-hit wonders' de toda a última década do século XX foi, não um qualquer artista estabelecido que lograva sair brevemente da mediania, nem tão-pouco um grupo de anónimos artistas de estúdio escondidos atrás de um avatar, mas um menino francês de apenas quatro anos e meio, que 'cantava' conforme sabia uma letra sobre como era difícil ter essa idade, por cima de uma batida de dança a cargo do próprio pai, naquilo que havia começado como um exercício de memorização de falas para um anúncio de fraldas. Quase parece um enredo para um filme ou livro (ou um qualquer delírio do ChatGPT), mas trata-se de uma história bem real: a do pequeno Jordy Lemoine, à época conhecido apenas pelo seu primeiro nome, e protagonista de um dos mais bizarros momentos da música comercial moderna.

Isto porque, conforme acima relatado, o futuro recordista (consta do Livro de Recordes do Guiness, enquanto artista mais jovem de sempre a conseguir ser número um de um 'top' de 'singles', e foi também o mais jovem a entrar no famoso 'Hot 100' da Billboard americana, além de deter o recorde de permanência no topo das tabelas francesas, com umas impressionantes quinze semanas como número 1) pôs toda a gente a cantar (em Francês!) sobre como era duro ser bebé, sem sequer conseguir enunciar correctamente a maioria das palavras. Claramente, a ideia era tirar partido do 'factor fofura' daquele menino classicamente bonito, loiro e de olhos verdes – um plano que se pode dizer ter resultado em pleno, dado o sucesso da sua música de estreia.

Infelizmente, o interesse no menino cantor gaulês não se estenderia para lá desse primeiro 'single', e daqueles poucos meses no Outono de 1992 – pelo menos na Europa, já que na sua França natal ainda viria a gozar de fama suficiente para lançar mais dois discos após 'Pochette Surprise', o álbum que continha a referida 'Dur, Dur, D'Être Bebé'. Ainda assim, são poucos (ou nenhuns) os artistas que podem dizer que a sua carreira na 'ribalta' terminou aos sete anos de idade, e que, ainda em idade escolar, já faziam parte do inevitável círculo de (ex-)celebridades a aparecer em 'Quintas' e outros programas que tais. E a verdade é que, mesmo sob estas circunstâncias, Jordy não desistiu por completo do 'sonho' musical, tendo mesmo lançado um 'single' já depois de adulto, em 2006, embora o mesmo não tenha tido qualquer sequência. Na memória colectiva europeia, no entanto, o hoje trintão será para sempre aquele miúdo loiro e 'bolachudo' que, durante um par de meses em fins de 1992, foi (literalmente 'sem saber ler nem escrever') protagonista de uma das mais insólitas histórias de sucesso 'instantâneo' do mundo da música popular contemporânea.

NOTA: Este 'post' é respeitante a Segunda-Feira, 23 de Junho de 2025.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Já aqui, anteriormente, falámos dos Excesso e D'Arrasar, duas das principais 'boy bands' portuguesas; no entanto, aquando desse 'post', deixámos de fora outros dois grandes nomes da música popular vocal da altura – os Millennium (a terceira grande 'boy band' nacional) e a dupla constituída pelos irmãos Rosado (Nélson e Sérgio) sob a denominação Anjos. Numa altura em que estes últimos voltam a estar na ribalta, devido a um processo jurídico movido contra a humorista Joana Marques, nada melhor do que dedicar algumas linhas àquela que continua a ser uma das grandes referências do seu nicho no nosso País.

Nascidos na Margem Sul do Tejo mas com raízes alentejanas, os irmãos Rosado desde cedo principiaram a seguir o seu sonho, tendo ingressado na Academia de Música ao completarem sete anos, e dado o seu primeiro espectáculo pago quando o mais velho dos dois, Nélson, contava apenas doze anos, e o irmão apenas oito. Por essa actuação – a primeira de muitas – receberam quinze mil escudos, uma autêntica 'fortuna' para 'putos' dos anos 80, e que servia como uma espécie de antevisão do que o futuro reservava aos dois.

Ainda assim, os futuros Anjos não 'embandeiravam em arco', e continuavam a conciliar a música com a escola e o futebol, sem, no entanto, deixarem de 'agarrar' qualquer oportunidade que surgisse para mostrarem o seu talento. Foi esta abordagem que lhes permitiu, já no final da adolescência, em 1996, participar no programa 'Lugar Aos Mais Novos', da Rádio Renascença e, no ano seguinte, na 'Casa dos Artistas' da RTP, saindo vencedores de ambos – mais um augúrio auspicioso para o que esperava os irmãos a breve trecho.

Após este sucesso enquanto dupla, Nélson e Sérgio ingressaram nos Sétimo Céu, uma tentativa de 'concorrente' a Excesso e D'Arrasar que não deu certo, durando menos de um ano. Longe de se deixarem desanimar, os dois irmãos viram este percalço como uma oportunidade para, mais uma vez, trabalharem como dupla, dando oficialmente e definitivamente início ao percurso dos Anjos no panorama musical português, corriam os últimos meses do Segundo Milénio. Era a convite de uma produtora nacional que a nova dupla – cujo nome remetia a uma 'alcunha' dada aos jovens pela sua avó – surgia na 'cena' popular nacional, e seria também, quiçá, essa ligação a permitir aos irmãos gravar o primeiro álbum, 'Ficarei', logo nesse ano de 1999, estabelecendo desde logo a sua fórmula assente na 'pop' romântica, com ênfase nas vozes dos dois integrantes. Ainda antes do final do Milénio (embora já nas últimas semanas do mesmo) o álbum viria a ser relançado com uma música adicional – o mega-sucesso de Natal 'Noite Branca', em que Sérgio e Nélson Rosado surgiam em dueto com a cantora Susana.

Estava dado o mote para (à data deste 'post') duas décadas e meia de carreira, nem sempre com tanto sucesso como naqueles primórdios, mas sempre com uma audiência cativa e pronta a 'apadrinhar' cada novo lançamento da dupla, o último dos quais remete já a 2022. Ainda assim, os Anjos continuam a usufruir de fama suficiente para serem convidados a cantar o hino nacional no início de eventos – privilégio que está na base do actual processo movido a Joana Marques, e que se vai, desde Julho de 2024, 'arrastando' em tribunal. Qualquer que seja o resultado do mesmo, no entanto, o impacto dos Anjos no panorama da música romântica em português está estabelecido, e dificilmente poderá ser negado, merecendo-lhes o destaque nesta nossa rubrica dedicada a artistas musicais nostálgicos.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Qualquer melómano velho o suficiente para ter tido interesse em música em inícios dos anos 90 não hesitará em apontar essa época como a era do nascimento do 'rap' e 'hip-hop' em Portugal, pelo menos no que ao 'mainstream' diz respeito. De facto, a primeira metade da última década do século XX marcava o momento em que o estilo musical nascido e popularizado do outro lado do Oceano Atlântico na década anterior extravasava a presença maioritariamente 'clandestina' que marcava nos bairros periféricos das grandes cidades, e 'explodia' nos ouvidos de toda uma geração de jovens prontos a receberem e assimilarem aquelas palavras de ordem e crítica social em ritmo sincopado. O culminar desta ascensão do chamado 'hip-hop tuga' seria, claro, a colectânea 'Rapública', lançada em 1994 e que popularizaria nomes como Black Company ou o produtor, Boss AC; no entanto, logo nos primeiros meses da década, já um grupo de jovens da mesma zona na Margem Sul do rio Tejo se havia aventurado na organização do primeiro festival de 'rap' nacional. Entre eles, encontrava-se um MC em ascensão, e que em breve viria a deixar a sua marca no panorama do 'rap' nacional: o moçambicano Sergio Matsinhe, mais conhecido pelo 'nome de guerra' General D.

Membro fundador dos supracitados Black Company (embora já não fosse a tempo de desfrutar dos benefícios trazidos pelo mega-sucesso 'Nadar') e envolvido em inúmeros outros projectos da cena à época, General D destacava-se pela 'africanidade' que injectava no seu 'rap'/'hip-hop', fosse no aspecto musical, fosse na grafia das letras ou mesmo na forma como as interpretava. Esta vertente algo mais original do que a média, bem como mais flexível e versátil, não tardou a colocá-lo no 'radar' de artistas mais comerciais, tendo a primeira gravação do jovem MC sido como convidado num tema dos Pop Dell'Arte, em 1990. Ainda antes de qualquer registo próprio, D surge também como um dos compositores e intérpretes da banda sonora de 'Até Amanhã, Mário', de 1993, um dos poucos filmes portugueses da época a granjear atenção por parte do público.

Com tal nível de exposição mediática, o surgimento de registos próprios era inevitável, e, em 1994, General D lança mesmo o seu primeiro EP, o provocatoriamente intitulado 'PortuKKKal É Um Erro'. Esta denominação, aliada às letras críticas do racismo vigente na sociedade portuguesa, caíram como uma 'pedrada no charco' da bem-comportada cena musical nacional, e valeram a D a presença em muitas plataformas de debate público, para discutir os problemas vividos por imigrantes, retornados e seus descendentes no Portugal daquela época.

Longe de 'descansar sobre os louros', no entanto, General D voltava ao 'ataque' menos de um ano depois, desta vez com um longa-duração, em conjunto com o grupo Os Karapinhas. O título 'Pé Na Tchôn, Karapinha Na Céu' deixa desde logo bem evidente a filosofia e atitude perante a vida de General D, embora se afirme como algo introspectivo e humilde face à barragem de ácidos comentários tecidos pelo MC nas suas letras. Um registo cáustico, mesmo para os padrões do 'hip-hop', e que posicionava General D como um dos principais 'activistas' da cena nacional, bem mais engajado e combativo do que os muito mais explicitamente comerciais Da Weasel, ou mesmo do que a maioria dos nomes presentes em 'Rapública'. O vídeo de 'Black Magic Woman' (que, ao contrário do que se possa pensar, não constitui uma versão da música dos Fleetwood Mac) estava também em alta rotação nos programas de 'videoclips' nacionais, cimentando o estatuto de Boss AC como uma das grandes 'esperanças' do 'rap' nacional, uma reputação que apenas aumentaria com participações em temas de Cool Hipnoise e Ithaka.

O passo final na evolução de D seria, no entanto, dado apenas dois anos depois, em 'Kanimambo', o segundo (e, até hoje, último) álbum do MC. Agora acompanhado por colaboradores de luxo, como António Chainho ou o congénere brasileiro Gabriel o Pensador, o General debitava mais uma série de temas cáusticos (embora também mais trabalhados) que lhe permitiam continuar a 'somar e seguir' na cena. Uma bem-sucedida 'tournée' por Portugal, Espanha e França parecia anunciar a 'explosão' definitiva de D, o qual, concluída a mesma, se deslocaria até à Jamaica para trabalhar com os renomados Sly and Robbie...

...e não voltaria a ser visto durante quase duas décadas.

De facto, seria apenas em 2014 que um jornalista seguiria o 'rasto' de Sergio Matsinhe, vindo a encontrá-lo em Londres. Em entrevista exclusiva, o MC revelava ter passado maus momentos tanto na capital britânica como nas ruas de Nova Iorque, vivendo uma existência muito distante dos dias de glória nos palcos nacionais. A entrevista, e respectiva capa, ajudavam o General a regressar à consciência popular dos melómanos nacionais, mesmo a tempo da reedição dos seus dois registos, em 2015. O regresso aos palcos, no entanto, dar-se-ia apenas quatro anos depois, num evento na Altice Arena que reunía muitos dos 'pais fundadores' do 'hip-hop tuga' – não só General D, como também Boss AC, Black Company ou Chullage, entre outros. Um final merecidamente apoteótico para uma carreira (e vida) que foi do Céu ao Inferno, sempre de pés no chão e carapinha no ar, e que continua, até hoje, a deixar a sua marca em todo um movimento musical.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Um dos primeiros 'posts' musicais deste nosso blog versava sobre os Silence 4, ainda hoje quiçá o maior e mais reconhecível 'one-hit wonder' da História da música portuguesa – pelo menos, se descontarmos certos artistas 'pimba'. Nada mais justo, portanto, do que celebrar, esta Segunda-feira, o seu vocalista, David Fonseca, que comemora por estes dias os seus vinte e cinco anos de carreira a solo, numa iniciativa que dura já desde o ano passado.

Originalmente conhecido como membro dos Silence 4, que 'estouravam' no Verão de 1998 com o lendário 'Silence Becomes It', David já nessa altura se destacava pelo seu timbre original e único, algures entre um Rui Reininho com menos arroubos e trejeitos e algum vocalista do movimento 'new wave' e gótico da década anterior. Foi, portanto, com naturalidade que, após o fim do grupo em causa (em 2001, quando já pouco mais eram do que uma memória distante na consciência popular portuguesa) o vocalista tenha mesmo decidido seguir carreira a solo, a qual se iniciava dois anos depois com 'Sing Me Something New'. Seguir-se-iam um EP, um álbum de 'sobras', oito álbuns 'normais' e outros tantos de Natal, estes últimos lançados anualmente entre 2009 e 2016, com direito a 'dose dupla' em 2015.

A sonoridade desta nova fase alicerçava-se numa base ainda mais 'pop' que os Silence 4, ainda que numa vertente mais de 'cantautor', aproveitando o multi-instrumentalismo do músico. Não é, pois, de surpreender que as suas canções melodiosas e agradáveis tenham 'caído no gosto' do grande público ao longo dos últimos vinte anos, como já o haviam feito as do seu grupo original, ainda no Segundo Milénio. Parabéns pelo marco, David, e que venham mais vinte e cinco!

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Mesmo antes de ganhar a definição oficial de 'pimba', a música popular de cariz romântico era já uma das forças mais dominantes e dominadoras na cena cultural e artística portuguesa, sendo responsável pela criação de inúmeros êxitos e vendas de discos em volumes totalmente impensáveis para a maioria dos outros géneros, alicerçadas, sobretudo, em torno de três nomes: por um lado, Ágata, e, por outro, Roberto Leal e o homem a quem dedicamos este 'post', que acaba de nos deixar aos setenta e oito anos, tendo falecido no final da semana passada (concretamente na Quinta-feira, 24 de Outubro), vítima de cancro no fígado. Falamos de João Simão da Silva, alentejano (de Évora) mais conhecido nos palcos e ondas de rádio nacionais pelo seu nome artístico, Marco Paulo.

Marco Paulo nos anos 90.

Tendo iniciado carreira ainda novo (em 1966, aos vinte e um anos), o cantor romântico português por excelência conseguiu a proeza de atravessar nada menos do que sete décadas musicais, sem nunca perder a relevância ou o reconhecimento dentro do seu género, e sabendo sempre reinventar-se, mesmo após os maiores dissabores e contrariedades; e apesar de o seu período áureo se ter dado na década anterior à que este blog visa relembrar, à entrada para a mesma, Marco Paulo era ainda um nome omnipresente na cultura popular portuguesa, continuando os seus maiores êxitos a ter alta rotação num certo sector radiofónico, e a serem instantaneamente reconhecíveis até mesmo para as demografias mais jovens. Ao invés de se 'sentar em cima dos louros', no entanto, o cantor continuava a trabalhar incansavelmente, juntando várias novas músicas à sua lista de êxitos (algumas das quais tiveram a distinção de ser parodiadas por Herman José, como Tony Silva, em programas como 'Hermanias') e descobrindo uma nova vocação como apresentador de televisão, com passagens bem sucedidas pela grelha da RTP em 1994 e 1996.

Quando tudo parecia correr pelo melhor, no entanto, surge o primeiro susto, com uma operação para remover um tumor no cólon, em Junho de 1996. Marco recupera, e prossegue a carreira de vento em popa, continuando a marcar presença em feiras, romarias e programas da manhã e de férias até ao dealbar da presente década, altura em que havia já celebrado os cinquenta anos de carreira. É nesse período que lhe é descoberto novo cancro, agora na mama (caso raríssimo em homens), que o cantor novamente debela. Três anos depois, contra todas as probabilidades, Marco recebe novo diagnóstico de cancro, agora no pulmão...e torna a sobreviver, retomando a sua posição ao lado de Ana Marques no programa, 'Alõ Marco Paulo', o qual apresentava ainda em Julho de 2024, antes de a sua saúde se deteriorar em virtude de novo tumor, este no fígado. E se o cantor lograra contrariar o ditado que diz que 'à terceira é de vez', o facto é que este quarto tumor se revelou demasiado agressivo para o fragilizado corpo do cantor, que acabaria mesmo por sucumbir ao seu 'velho inimigo', deixando mais pobre a cena musical de cariz popular e romântico, e de luto grande parte da população portuguesa, para quem já 'fazia parte do cenário', quer através das suas canções, quer da presença nos seus ecrãs de televisão. Que descanse em paz.

NOTA: Este 'post' é respeitante a Segunda-feira, 17 de Setembro de 2024.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Já aqui anteriormente abordámos a forte influência brasileira na música portuguesa de cariz mais popular, vulgo música 'pimba', fosse através de simples influência rítmica (com bases adaptadas, ou mesmo directamente 'roubadas', a estilos como o forró e o axé) ou da presença de artistas naturais de além-mar entre o lote de nomes associados ao género, bastando neste último caso lembrar Roberto Leal, Iran Costa ou mesmo Netinho. A esta lista há, também, que juntar uma dupla de cantores cómicos que qualquer jovem português de finais dos anos 90 se lembra de ver figurar nos interlúdios musicais do 'Super Buereré', e que conseguiram fazer com que uma das suas músicas entrasse na 'rotação' musical dos recreios nacionais da época.

Falamos de Salsicha e Mário Jorge, duo surpreendentemente Esquecido Pela Net, sendo quase impossível encontrar informações pessoais ou biográficas sobre qualquer dos dois elementos. Resta, pois, analisar a discografia do par, que consiste de apenas dois discos, lançados com nada menos do que duas décadas (!) entre si, e dos quais o primeiro é, evidentemente, aquele que mais directamente concerne a este blog. Isto porque foi de 'Dá Dá Dá', lançado algures em 1997, que saiu o grande 'hit' da dupla nas escolas portuguesas, o qual, ao contrário do que muitos imaginavam na época, não é homónimo do disco, tendo o título oficial de 'Dá Coração'.

Tal como as restantes nove músicas do disco – que acaba por ser mais EP do que LP, com os seus escassos vinte e sete minutos de duração – trata-se de um tema de cariz abertamente 'azeiteiro', baseado no ritmo e melodia do clássico 'La Bamba', com vastas doses de humor à mistura (patentes sobretudo nas interpretações caricaturais dos dois vocalistas) e uma daquelas letras que nunca deveriam ter sido ouvidas, e ainda menos repetidas, por crianças em idade pré-adolescente - as quais, verdade seja dita, mal tinham noção do que estavam a cantar, à semelhança do que acontecera com as letras dos Mamonas Assassinas um par de anos antes.

Salsicha e Mário Jorge podiam, aliás, quase ser vistos como uns 'Mamonas Assassinas do 'pimba'', já que apresentavam igual pendor para indumentárias multi-coloridas e chamativas (mais parecidas com fatos de circo ou roupas de personagens animados do que com vestuário real) e para uma pose entre o brejeiro, o irreverente e o teatral, bem evidenciada pelas letras e interpretações. De distinto do grupo paulista, o duo tinha a imagem andrógina, bem explícita na peruca feminina envergada por um dos membros e na versão de 'O Vira', êxito dos Secos & Molhados, grupo liderado pelo maior artista andrógino da História da música brasileira, o incomparável Ney Matogrosso. Para o público infantil, no entanto, nada disto interessava, ficando a referida demografia perfeitamente satisfeita só com a oportunidade de cantar e dançar ao som de 'Dá Coração', fosse durante os 'bonecos' de Domingo de manhã, no contexto de uma festa ou evento, ou simplesmente no pátio da escola.

Tal como tantos outros artistas 'da moda' entre as crianças, no entanto, também Salsicha e Mário Jorge rapidamente caíram no esquecimento, substituídos pela próxima 'sensação de recreio' oriunda do movimento 'pimba' ou 'europop'. É, portanto, com surpresa que se regista o regresso do duo com um segundo disco, mais de vinte anos após o primeiro! 'O Melhor Amigo do Homem', de 2018, segue as passadas do seu antecessor, e aproxima ainda mais o duo do legado dos Mamonas, com títulos como 'Revolution Gay' e uma versão de 'Sabão Crá-Crá' logo a abrir. Ao contrário do primeiro, no entanto, este álbum passou despercebido em Portugal, onde o panorama musical estava já muito, muito distante do contexto vivido em meados dos anos 90, e não tinha espaço para uma 'importação' do género 'pimba-cómico' de que as crianças haviam gostado durante cerca de um ano, três décadas antes. Quem viveu aqueles momentos musicais do Super Buereré por volta de 1997 já estará, certamente, a trautear aquele que era um dos grandes 'hinos' infantis da época, e que constituirá para sempre o legado deste duo brasileiro em terras lusitanas.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Já aqui por várias vezes aludimos à fase áurea atravessada pelo 'pop-rock' nacional durante a década de 90. De facto, o referido movimento visivelmente 'transpirava' saúde, representada tanto por lançamentos marcantes por parte de artistas já veteranos, como Rui Veloso, GNR, Delfins, Resistência, Entre Aspas ou Xutos & Pontapés, como de novas e promissoras adições à cena, como Sitiados, Quinta do Bill, Silence 4, Ornatos Violeta, Pedro Abrunhosa, Hands on Approach ou a banda de que falaremos no 'post' de hoje, e que foi uma das muitas revelações apontadas como a 'próxima grande sensação' durante a referida década: os Pólo Norte.

A formação clássica do grupo.

Formados em Belas, na região de Sintra, em 1992, das cinzas dos Honoris Causae, seria, no entanto, há coisa de trinta anos que a banda em causa verdadeiramente penetraria no imaginário popular, com o lançamento do seu primeiro disco, 'Expedição', e subsequente sucesso da faixa 'Lisboa', uma das músicas-estandarte do colectivo liderado pelo vocalista Miguel Gameiro. Também incluído neste registo de estreia está 'Grito', outro tema emblemático para o grupo e muito querido pelos seus fãs.

O primeiro sucesso do grupo...

Por muito auspiciosa que tivesse sido a estreia dos Pólo Norte, no entanto, nada fazia prever o que se seguiria com o seu segundo disco. 'Aprender a Ser Feliz', de 1996, dava ao mundo da música portuguesa o tema-título – que se tornaria ainda mais sinónimo com a banda do que 'Lisboa' - e ajudava a aumentar a base de fãs dos Pólo Norte de uma ponta à outra do País, muito por conta da grande rotação radiofónica da referida faixa homónima. Antes, a banda havia já conseguido destacar-se dos seus contemporâneos através de 'Amor É', uma versão musicada de um poema de Luís Vaz de Camões incluída na histórica colectânea 'Portugal ao Vivo II', veiculada com o jornal Blitz em 1995.

...e o seu verdadeiro tema-estandarte

Com a frequência e número dos concertos a aumentar, não é de estranhar que o terceiro álbum tenha demorado três anos a ser editado, por oposição aos menos de dois que mediaram entre 'Expedição' e 'Aprender a Ser Feliz'. Ainda assim, e apesar da demora, 'Longe' voltou a gozar de relativo sucesso, servindo mesmo de mote ao primeiro registo ao vivo do grupo, singelamente intitulado 'Pólo Norte ao Vivo' e lançado no dealbar do Novo Milénio. Em 2002, saía um novo registo de originais, 'Jogo da Vida', o quarto de uma carreira cada vez mais consolidada dentro do movimento 'pop-rock' nacional. Tudo parecia indicar a continuação de uma boa fase do grupo...não fora o hiato imposto por Miguel Gameiro, que procurava concentrar-se no projecto paralelo Portugal a Cantar.

Assim, passar-se-iam longos cinco anos até ser editado novo registo sob a denominação Pólo Norte – mas, como diz o ditado, 'mais vale tarde que nunca', já que 'Deixa o Mundo Girar', produzido pelo britânico Steve Lyons e de sonoridade mais 'rock' do que os seus antecessores, devolveu ao grupo o nível de fama e exposição dos tempos de 'Aprender a Ser Feliz', com diversos temas do álbum a figurarem em telenovelas e outras produções nacionais. Apesar deste sucesso, no entanto, o referido lançamento (reeditado dois anos depois com um segundo CD de bónus, composto por músicas ao vivo) saldar-se-ia, mesmo, como o último de originais do grupo, cujos registos subsequentes tomariam a forma de colectâneas, a primeira editada aquando da celebração de quinze anos de carreira do grupo, em 2008, e a segunda – intitulada 'Miguel Gameiro e Pólo Norte', lançada em 2014. De salientar que '15 Anos' trazia dois temas inéditos, até hoje os últimos alguma vez gravados pelos Pólo Norte.

Apesar de se assinalar nesse ponto o fim do grupo, no entanto, não era ainda a despedida de Miguel Gameiro, que lançaria um último CD a solo, 'A Porta Ao Lado' - que chegou a ser Top 10 de vendas em Portugal em 2010 – antes de se dedicar à sua outra paixão, a culinária. A carreira de 'chef' em estabelecimentos como o Casino Estoril e Quinta da Beloura foi, no entanto, mais uma vez posta em hiato em 2021, quando a banda se reuniu para uma celebração dos vinte e cinco anos de carreira, a qual, por sua vez, motivaria planos para uma 'turnê' completa, sob a designação Miguel Gameiro & Pólo Norte, a ter início no ano transacto. E apesar de tal desiderato ainda não se ter materializado, é bem possível que estejamos perante o início de uma 'segunda vida' para mais uma banda emblemática do 'pop-rock' nacional de finais do século XX. Resta aguardar para ver...

NOTA: Por motivos de relevância temporal, esta Segunda será novamente de Sucessos. Voltamos às Séries na próxima semana.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Apesar de ser, hoje em dia, um dos conceitos mais 'batidos' e reutilizados do panorama televisivo mundial – a ponto de muita gente o considerar já cansado e com pouco interesse – o concurso de talentos musicais era, ainda, um género totalmente novo e 'fresco' na televisão portuguesa em meados dos anos 90. Sim, havia o Sequim D'Ouro e o inevitável Festival da Canção, mas ambos eram espectáculos de índole mais tradicional, (ainda) sem o 'glamour' e entusiasmo que mais tarde marcaria o formato.

Assim, não é de admirar que o 'Chuva de Estrelas', um dos programas-âncora da nova, independente e 'rebelde' SIC, tivesse almejado o mega-sucesso de audiências aquando da sua estreia, há cerca de trinta anos. O conceito de jovens cantores em competição directa uns com os outros, e a fazer as suas próprias rendições de temas mundialmente famosos, não tardou a atrair a atenção de grande parte da audiência, que passou a seguir com atenção as eliminatórias e, por consequência, assistiu em primeira mão ao dealbar e ascensão de uma talentosa adolescente, que em 1994, com dezasseis anos recém-completos, se sagraria vencedora da primeira temporada do concurso, com a sua versão de “One Moment In Time” e, meses depois, repetiria o feito em pleno Festival da Canção, terminando por levar o tema “Chamar a Música” a uma das melhores classificações de sempre para Portugal no Festival da Eurovisão, ao atingir o oitavo lugar. Chamava-se Sara Alexandra Lima Tavares, e acaba de falecer, com apenas quarenta e cinco anos, deixando um considerável vazio no panorama da música 'étnica' e 'world music' portuguesas.

Sara interpretaria o mesmo tema, que a tornou famosa nos dois Festivais da Canção em que participou, ambos em 1994, quando a cantora tinha apenas dezasseis anos.

De ascendência cabo-verdiana, Sara não teve um início de vida propriamente fácil, tendo sido deixada a cargo de uma pessoa de confiança quando a mãe, recém-divorciada, se mudava com os restantes filhos para o Sul de Portugal. As dificuldades não impediram, no entanto, que Sara demonstrasse desde cedo talento para a música, o qual cultivaria desde essa tenra idade, permitindo-lhe estar em posição para concretizar o seu triplo feito enquanto ainda aluna do ensino secundário. No entanto, apesar do sucesso que tal façanha lhe rendeu, e de a mesma a ter posto nas 'bocas do Mundo' naquele ano de 1994, passariam ainda dois anos até que Sara editasse o seu primeiro registo oficial, um EP gravado em colaboração com o grupo Shout. No mesmo ano, daria voz à música cantada pela cigana Esmeralda em 'O Corcunda de Notre Dame', o então mais recente êxito da Walt Disney, numa versão que seria considerada pela própria 'casa do Rato Mickey' como a melhor adaptação internacional da música em causa.

O registo de estreia da cantora, gravado com o grupo vocal Shout.

Os anos seguintes veriam Sara Tavares continuar a 'somar e seguir' na carreira, com participações no espectáculo musical de tributo a George Gershwin na Expo '98, colaborações com o popular grupo pop-rock Ala dos Namorados e, finalmente, a edição do seu primeiro álbum de longa-duração, 'Mi Ma Bô', editado no último ano do século XX e cujo título, em crioulo cabo-verdiano, remetia às suas raízes. Apesar do sucesso do mesmo, no entanto, o nome da cantora continuaria, em inícios do Terceiro Milénio, a surgir sobretudo ligado à gravação de músicas individuais para discos de tributo ou colaborações com outros músicos, vindo o segundo registo, 'Balancé', a sair apenas em 2005, mais de uma década após o 'momento' mediático da cantora. Mesmo assim, o interesse pela música de Sara continuava a existir, como o provam as vendas de Ouro do disco, e a selecção de uma das suas músicas para uma campanha do Millennium BCP.

Os dois primeiros álbuns da cantora, de 1999 e 2005, respectivamente...

Mais quatro anos se passariam, no entanto, até Sara voltar a editar um disco. 'Xinti', lançado dez anos depois da estreia com 'Mi Ma Bô', surgia já depois de a cantora ter lançado o primeiro DVD, 'Alive in Lisboa' e viria a suscitar mais um sem-número de colaborações, com artistas tão díspares como Nelly Furtado e Buraka Som Sistema. Assim, até ao advento do disco seguinte, 'Fitxadu', passar-se-iam nada menos do que oito anos, em que o nome Sara Tavares se manteria relevante sobretudo no contexto da participação em faixas de outros artistas.

...e os dois últimos, lançados em 2009 e 2013.

Sem que ninguém soubesse, no entanto, esse viria mesmo a ficar para a História como o último registo da cantora, que viria a falecer seis anos depois (a 19 de Novembro último, um dia depois da publicação original deste post e poucos meses depois da morte da 'musa' Tina Turner, cuja música a lançara) em consequência de um tumor cerebral diagnosticado uma década antes, em 2013. Uma perda trágica, não só por Sara fazer parte da geração que marcou, e que frequenta este nosso blog, mas também pelo talento que a cantora demonstrou ao longo de uma carreira que, apesar de apenas fugazmente mediática, ficou pautada pelas inúmeras e sonantes colaborações, e por vários registos de qualidade uniformemente alta, que marcaram a 'world music' em Portugal. Que descanse em paz.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Por vezes, no mundo da música, sucede um fenómeno curioso, mediante o qual um determinado país ou região cria laços afectivos com um artista ou grupo estrangeiro, a ponto de o mesmo ser acarinhado como se de um 'produto' nacional se tratasse. É, ainda hoje, o caso, por exemplo, com o Brasil e Argentina em relação aos Iron Maiden e KISS, do Japão em relação a Ozzy Osbourne, e – como veremos neste post – de Portugal com os alemães Guano Apes.

De facto, durante o auge da sua popularidade, em finais dos anos 90, parecia não passar um ano sem que a banda de Sandra Nasic, Henning Rümenapp, Steffan Ude e Dennis Poschwatta fizesse mais uma paragem em algum palco português – normalmente num dos inúmeros festivais de Verão realizados à época, um pouco à semelhança do que se passaria também com os Metallica na década seguinte - ou até mesmo num programa de televisão, por mais incongruente que este fosse com o seu estilo musical. E, para ser sincero, o público lusitano também não parecia cansar-se de ouvir sucessos como 'Lords of the Boards', 'Rain', 'Open Your Eyes' ou a versão 'rockalhada' para 'Big In Japan', original dos Alphaville – tudo temas repetidos quase em 'loop' nas rádios 'alternativas' portuguesas, sobretudo na saudosa e influente Mega FM. E depois, de repente, tudo parou; o grupo deixou de gozar do sucesso que anteriormente conhecia, e o nome Guano Apes desapareceu do léxico musical dos jovens afeitos ao rock alternativo.

O concerto da banda na edição de 2000 do Festival do Sudoeste, e a inesperada aparição programa 'Herman 99', sucessor de 'Herman 98' na grelha da SIC são apenas duas das muitas presenças dos Apes no nosso País por alturas da viragem do Milénio.

As razões para tão abrupto 'esquecimento' são incertas, sendo que, mesmo tendo em conta o decréscimo de sucesso do primeiro para o segundo álbum, o grupo continuou a ser bastante popular tanto entre entusiastas do movimento 'nu-metal' (nas franjas do qual a banda vinha caminhando) como do rock alternativo mais melódico, mas ainda assim cheio de atitude, ao estilo de umas Hole ou Veruca Salt. Mas se 'Don't Give Me Names' (de 2000) ainda teve a 'cover' de Alphaville, 'Don't Give Me Names' (de 2003) não gozou da mesma sorte, apesar da presença de pelo menos um tema tão bom quanto os dos dois primeiros álbuns, o explosivo 'Dick'. A total indiferença a que o dito lançamento foi votado, aliado às habituais 'diferenças criativas', viria, aliás, a ditar o fim dos Guano Apes, que entravam em hiato em 2006 para prosseguir outros projectos, nenhum dos quais teve qualquer repercussão em Portugal.

Parecia ser o fim do 'caso' amoroso entre os 'roqueiros' alternativos alemães e o público lusitano; no entanto, como sucede em tantos outros casos, a história dos Guano Apes viria mesmo a ter, mais do que um epílogo, uma sequela, já que o grupo se voltaria a reunir apenas três anos depois, e lançaria ainda mais dois discos de estúdio, 'Bel-Air' (de 2001) e o derradeiro 'Offline' (de 2013), além de uma edição especial comemorativa dos vinte anos de 'Proud Like a God'. As visitas a Portugal, essas, mantêm-se até aos dias de hoje, tendo o grupo actuado no nosso País há apenas dois dias, aquando da escrita deste post, no caso na concentração 'motard' de Faro. E embora o seu público esteja – como os próprios músicos – mais envelhecido e enrugado do que há um quarto de século, é de crer que as gargantas continuem afinadas para 'berrar' em uníssono os grandes sucessos de antanho; afinal, uma verdadeira paixão nunca morre completamente, apenas esmorece...

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Apesar de a maioria dos artistas musicais se manter na activa tanto tempo quanto os seus corpos, mentes e motivação lhes permitem, a esmagadora maioria acaba, ao longo desse percurso, por cair na irrelevância, ignorada pela maior parte do que havia sido a sua base de fãs, e resignada a perseverar em prol de uma minoria fiel que vai mantendo a sua carreira 'à tona'. Tão-pouco é este um destino reservado apenas a artistas 'do momento' – até mesmo nomes a dada altura tão famosos como Whitney Houston, AC/DC ou Britney Spears se viram 'apanhados' nesta teia quase inescapável.

De longe em longe, no entanto, surge um nome que consegue transcender este paradigma, e conquistar (e manter) uma base de fãs desde os seus primeiros momentos até ao final da carreira. Um desses nomes foi Anna Mae Bullock, a cantora afro-helvético-americana mais conhecida pelo nome artístico de Tina Turner, e que se conseguiu estabelecer como um dos grandes nomes da música 'pop' e 'soul' durante quase três décadas, permanecendo relevante durante a maior parte desse período.

A cantora com o seu mais icónico visual.

Nascida a 26 de Novembro de 1939, e falecida a 24 de Maio deste ano de 2023, aos 83 anos, Tina Turner despontou para o mundo da música ainda adolescente, quando – durante um intervalo na 'performace' da banda do futuro marido Ike Turner – demonstrou os seus dotes vocais por intermédio de uma balada de BB King. Contratada de imediato como vocalista principal da banda, a então adolescente faria a sua estreia em disco no ano seguinte, mas a verdadeira revelação surgiria em 1960, quando – após uma falha de comparência de um tal Art Lassiter, para quem Bullock compusera uma música – a própria se encarregaria da voz principal, no que seria, à partida, apenas uma faixa-guia para a posterior composição finalizada com Lassiter como vocalista. O resultado, no entanto, foi tão impressionante que ajudaria mesmo a lançar a carreira da jovem, entretanto rebaptizada com um nome mais sonante, pelo qual viria a ser conhecida em todo o Mundo durante as três décadas seguintes, primeiro ao lado de Ike na chamada 'Ike & Tina Turner Revue', e mais tarde por conta própria.

O casal nos tempos como duo.

Os anos seguintes foram passados a estabelecer a reputação no circuito de clubes de 'rhythm and blues', até a sua música chegar aos ouvidos de Phil Spector, que prontamente pagou pelo direito de realizar sessões de gravação com Ike e Tina. Seria delas que viria a sair 'Mountain High – River Deep', uma das mais icónicas músicas daquele período, que ajudaria Ike e Tina a assegurar o posto de banda de abertura na turnê dos Rolling Stones, e a metade feminina do duo a aparecer na capa da revista homónima, tendo sido a primeira artista negra a conseguir tal feito.

Estava dado o mote para dez anos de sucesso como dueto, durante os quais conseguiriam uma sucessão de êxitos, e presença assídua nos programas de variedades norte-americanos. Este 'estado de graça', no entanto, viria a terminar em 1976, quando o entretanto tornado casal viu a sua relação fracturar-se devido ao abuso de substâncias por parte de Ike, que resultaria mesmo no divórcio entre os dois, e óbvia dissolução do duo que formavam. Destemida, Tina lançar-se-ia como artista a solo, mas os seus discos seguintes encontrariam pouco sucesso; ainda assim, o nome que estabelecera ao lado de Ike ajudá-la-ia a manter-se relevante, com nova digressão ao lado dos Stones, em 1981, e duetos com nomes como Rod Stewart, além de algumas controvérsias típicas de uma estrela em ascensão.

Seria apenas em 1983, quando já era considerada (imagine-se!) uma cantora 'retro-nostálgica', que Tina viria a atingir, finalmente, o mega-sucesso que lhe vinha escapando desde a separação com Ike, através do single 'Let´s Stay Together', cujo inesperado sucesso levou à gravação, em apenas duas semanas, do álbum 'Private Dancer', que viria a atingir a marca de quíntupla platina e as posições cimeiras dos 'tops' norte-americanos e britânicos, além de valer a Turner três prémios Grammy. É, também, deste álbum que sai 'What´s Love Got To Do With It', talvez a música-estandarte de Tina Turner na consciência popular, e única música da artista a atingir o número 1 da tabela da Billboard. Aos quarenta e quatro anos, a cantora conseguia, finalmente, viver a experiência normalmente gozada por artistas com metade da sua idade.

O álbum que granjeou o mega-estrelato à cantora.

Os anos seguintes trariam 'mais do mesmo', com os três álbuns subsequentes de Tina a atingirem marcas muito semelhantes a 'Private Dancer', e com o estrelato da cantora a ser cimentado por um papel de apoio no terceiro filme da série 'Mad Max', o infame 'Para Além da Cúpula do Trovão', de 1985. À entrada para a última década do século XX, Tina parecia não conseguir 'pôr pé em ramo verde', batendo (em 1990) o recorde de audiências numa turnê previamente estabelecido pelos Rolling Stones, bem como o seu recorde pessoal de vendas, com a compilação 'Simply the Best', certificada óctupla platina (!!) no Reino Unido. No ano seguinte, Ike e Tina são adicionados ao lendário Rock and Roll Hall of Fame, mas Tina escusa-se a comparecer, alegando fadiga após a última digressão.

A compilação de 1990 atingiria a marca de óctupla platina no Reino Unido, batendo novo recorde de vendas para a cantora.

Ainda assim, o icónico casal permanece 'nas bocas do Mundo' não só devido ao encarceramento de Ike, como também ao lançamento de um filme biográfico sobre a sua relação, e a carreira de Tina, em 1993. A ligação da cantora ao Mundo do cinema seria reatada dois anos depois, quando Tina grava o tema-título para o primeiro filme de Pierce Brosnan como James Bond, 'GoldenEye'. Seguem-se, até final da década, mais dois álbuns de originais, 'Wildest Dreams' (do ano seguinte) e 'Twenty-Four Seven', lançado em 1999, quando Tina contava já sessenta anos! Anunciado como álbum de despedida da cantora, o LP constituiu uma 'saída pela porta grande', atingindo a marca de Ouro e dando azo a mais uma digressão recordista, já no Novo Milénio.

O último álbum da cantora, lançado quando a mesma contava já sessenta anos.

A despedida do estúdio não significou, no entanto, o fim da carreira de Tina, que – nas duas décadas subsequentes, até ao seu falecimento – se manteria activa com o lançamento de compilações, um single de beneficência para a UNICEF em parceria com a italiana Elisa e, claro, 'performances' ao vivo, uma delas ao lado de Beyoncé, na cerimónia dos Grammys de 2008. No ano seguinte, Turner fundaria, ao lado de outras personalidades musicais, a fundação Beyond, responsável por discos de música espiritual e de meditação entre 2009 e 2017. Em 2016, estreia o musical biográfico 'Tina', desta vez com o envolvimento da própria artista, e em 2018, Turner é galardoada com o Prémio de Carreira na cerimónia dos Grammys. Pelo meio, ficam três volumes de autobiografias e memórias, o último lançado em 2020, e a participação num documentário sobre a sua vida, produzido em 2021. Nesse mesmo ano, Tina é novamente adicionada ao Rock And Roll Hall of Fame, desta vez como artista a solo, e volta a não comparecer, aceitando o prémio via satélite a partir da sua casa na Suíça, onde viria a falecer cerca de dezoito meses mais tarde.

No momento em que o ciclo de Tina, inevitavelmente, se encerra, fica a ideia de uma carreira atípica, que conseguiu reunir o consenso de nada menos do que três gerações de amantes de música comercial, e sobreviver às constantes flutuações e 'modas' do mercado, tornando mais que merecida esta homenagem póstuma a uma das grandes divas 'pop' de finais do século XX. Que descanse em paz.