Os anos 90 estiveram entre as melhores décadas no que toca à produção de filmes de interesse para crianças e jovens. Às sextas, recordamos aqui alguns dos mais marcantes.

Algumas figuras da chamada 'cultura pop' podem ser consideradas imortais, atravessando e influenciando várias gerações de crianças e jovens. De Zorro e Sherlock Holmes a Doctor Who e Harry Potter, a lista destes heróis é mais vasta do que, à partida, possa parecer – e um dos mais incontornáveis nomes nela contidos é o do agente secreto britânico James Bond.

De facto, apesar de ser pouco provável que algum jovem – português ou não – do último meio século tenha lido as obras escritas originais de Ian Fleming, é um dado quase adquirido que o mesmo terá visto pelo menos um dos filmes que, desde essa altura, vêm sendo dedicados ao herói. Com origem nos anos 60 – quando eram, ainda, contemporâneos dos próprios livros, e os mesmos estavam, ainda, a ser lançados – a franquia 007 conseguiu a proeza de, exactos sessenta anos após aquela primeira incursão com 'Dr. No' (de 1962) continuarem a atrair espectadores às salas de cinema, com o mais recente filme da série, lançado em 2021, a continuar a tendência de obras que, sem serem revolucionárias ou espectaculares, se traduzem ainda assim em duas horas de entretenimento de qualidade.

Esta definição pode, sem dúvida, aplicar-se a qualquer dos quatro filmes da era em que o agente foi interpretado por Pierce Brosnan (até então conhecido, sobretudo, pelos seus papéis em comédias familiares) os quais ajudaram a introduzir Bond a toda uma nova audiência, que era talvez demasiado nova para ter visto a última incursão do agente secreto no grande ecrã, 'Licença Para Matar', de 1989, e com Timothy Dalton no papel principal. De facto, para a geração nascida ou crescida nos anos 90 e 2000, Pierce Brosnan FOI James Bond – pelo menos até Daniel Craig herdar e redefinir o papel do agente britânico, já em pleno Novo Milénio. Assim, numa altura, em que o segundo destes filmes acaba de celebrar vinte e cinco anos sobre a sua estreia nacional (a 18 de Dezembro de 1997), nada melhor do que recordar, ainda que brevemente, a era em que o actor irlandês vestia o 'smoking' do distinto aficionado de Martinis.

As bases para a 'fórmula´ dos filmes da era Brosnan seriam estabelecidas com 'GoldenEye', filme de 1995 que, hoje em dia, é mais lembrado pela actuação de Sean Bean, no papel do vilão Trevelyan, e pela extremamente bem sucedida adaptação electrónica lançada para Nintendo 64 em 1996. De resto, trata-se do típico 'filme-pipoca', com muitas explosões, cenas de acção mirabolantes e argumento simultaneamente simplista e complexo em demasia, que marcaria tanto esta franquia quanto a 'concorrente' 'Missão Impossível', de Tom Cruise.

Esta mesma 'receita' alavancaria os dois filmes seguintes, 'O Amanhã Nunca Morre' (de 1997) e 'O Mundo Não Chega' (de 1999), duas obras muito semelhantes (até ao nível dos cartazes, como se pode constatar nesta mesma publicação) e que, como tal, se tendem a confundir na mente dos fãs mais 'casuais' de Bond. Ainda assim, e conforme referido no início desta publicação, qualquer dos dois representa uma excelente forma de 'matar' duas horas numa tarde ou noite mais 'preguiçosa', sobretudo para fãs da referida 'Missão Impossível' ou da franquia 'Kingsman'.

A quadrilogia Brosnan encerrar-se-ia já no novo milénio, e de forma algo controversa, já que 'Morre Noutro Dia', de 2002, é geralmente tido como um dos piores filmes não só dessa era, mas de toda a série; ainda assim, o filme (que seguia a mesma fórmula dos anteriores) foi relativamente bem-sucedido, ainda que não o suficiente para prolongar a 'era Brosnan' – o filme seguinte, 'Casino Royale', de 2005, marcaria a estreia do quinto (e, até hoje, último) actor a vestir a pele do agento britânico, Daniel Craig. E ainda que o declarado afastamento deste último após o filme de 2021 marque o fim de mais uma era para a franquia, não é de crer que a mesma venha a terminar tão cedo – afinal, como o próprio título daquele filme indicava, o espião britânico encontra-se, regra geral, 'Sem Tempo Para Morrer'

Os anos 90 estiveram entre as melhores décadas no que toca à produção de filmes de interesse para crianças e jovens. Às sextas, recordamos aqui alguns dos mais marcantes.

Apesar de a principal vertente da sua fama ter surgido no contexto do cinema de acção - do qual foi um dos grandes heróis durante os anos 80 e 90, tendo participado numa série de filmes marcantes do género - Arnold Schwarzenegger atravessou, no início e meados da última década do século XX, uma fase em que se tentou, também, afirmar como actor de comédia, tirando proveito do seu aguçado 'timing' cómico; e a verdade é que esta experiência, apesar de nem sempre totalmente bem conseguida, não deixou de render pelo menos um verdadeiro clássico, no excelente 'Um Polícia no Jardim-Escola', lançado logo em 1990. E apesar de os filmes seguintes do actor no mesmo registo - como 'Júnior' ou 'O Último Grande Herói' - não terem conseguido o mesmo sucesso, 'Arnie' viria, ainda, a contribuir para mais um filme de culto entre a juventude dos anos 90, bem como entre os fãs dos filmes de Natal. É desse filme, que completou esta semana vinte e seis anos sobre a sua estreia em Portugal, que falaremos nesta última Sexta de Sucessos antes da Consoada.

Trata-se de 'O Tesouro de Natal' ('Jingle All The Way' de seu título original) estreado em terras lusas a 20 de Dezembro de 1996, numa altura em que a imagem de Schwarzenegger era, ainda, suficiente para 'vender' filmes por si só. E a verdade é que, sem 'Arnie', este filme talvez nem tivesse adquirido o estatuto de 'meme' 'tão mau que é bom' de que hoje goza, já que é das 'caretas' e dichotes de efeito do actor que advêm os momenos mais memoráveis da película, ficando as intervenções sem graça do insuportável Sinbad e restantes tentativas falhadas de fazer rir a audiência algo 'esquecidas' por comparação.

Schwarzenegger é responsável por muitos dos melhores momentos do filme.

Tal como existe, e longe de ser um bom filme ou merecer o estatuto de clássico da época natalícia gozado por filmes como 'Gremlins', 'O Estranho Mundo de Jack' ou o binómio 'Sozinho em Casa', 'O Tesouro de Natal' vale o visionamento apenas pela exibição tresloucada de 'Arnie', ao estilo das que tornam, hoje, conhecido Nicolas Cage, mas bastante mais intencional, e que transforma uma comédia de Natal comercial e medíocre em algo ainda hoje lembrado - ainda que ironicamente - por toda a geração que a ela assistiu há um quarto de século.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

No ano passado, por esta altura, falámos da música de Natal dos Anjos, uma tentativa morta à nascença de criar um novo clássico natalício 'made in Portugal'; agora, um ano volvido, falamos de uma outra tentativa gorada, neste caso a de criar uma espécie de 'We Are The World' à portuguesa, protagonizado em 1996 por um colectivo composto por alguns dos maiores nomes da cena 'popularucha' nacional.

Nominalmente atribuído a José Malhoa, presumivelmente o 'cérebro' por detrás do projecto, 'Um Pedido de Natal' (assim se intitula o tema) é, no entanto, claramente um esforço conjunto por parte de uma equipa repleta de 'craques' do 'pimba' nacional, com destaque para o igualmente veterano Tony Carreira, para o grupo Broa de Mel e para a filha de Malhoa, Ana, então no esplendor da adolescência e no auge da popularidade enquanto apresentadora do mítico espaço infantil da SIC, Buereré. O resultado é uma balada típica do estilo musical em que se insere que, não fossem as referências ao Natal na letra, pouca associação teria com esta quadra – de facto, a instrumentação em si traz um toque mais latino do que propriamente invernal ou natalício.

Assim, e consistindo a parte musical da típica 'xaropada' processada, o principal interesse deste 'Pedido' reside na letra, a qual – apesar de simples e simplista, como é apanágio do estilo – não deixa de focar (e de forma surpreendentemente séria, ainda que superficial) uma temática importante, no caso, as separações forçadas entre familiares na noite de Natal, seja por obrigações laborais, desentendimentos pessoais, motivos de saúde (o tema viria, inclusivamente, a ser interpretado no 'Natal dos Hospitais'), ou simplesmente porque alguns dos membros do agregado se encontram em outra localidade ou até no estrangeiro. Uma temática bem relevante para o público-alvo da música (e do movimento 'pimba' em geral) e a que cada um dos intérpretes se entrega 'com tudo', em interpretações que ficam ali na divisória entre o emocional e o ridículo – como, aliás, viria a acontecer também com 'Mãe Querida', uma música de moldes muito semelhantes, mas alusiva ao Dia da Mãe, e que viria a tornar-se um sucesso 'viral' na era pré-Internet aquando do seu lançamento, dois anos mais tarde.

E ainda que (bem) menos lembrado do que esse clássico intemporal de meados dos 90, o 'Pedido' de José Malhoa e companhia não deixa de constituir uma tentativa honrada de gravar uma faixa em molde 'super-grupo', e apresenta muito daquele 'charme' típico do género; ou seja, sem fazer concorrência a 'A Todos Um Bom Natal', o facto é que há músicas bem piores para adicionar à 'playlist' natalícia nostálgica...

Em Segundas alternadas, o Anos 90 recorda algumas das séries mais marcantes para os miúdos daquela década, sejam animadas ou de acção real.

Apesar de inspirar e servir de tema a inúmeros filmes e especiais televisivos, o Natal teve, ao longo dos anos, muitíssimo poucas séries completas a ele dedicadas; talvez pela dificuldade em manter o interesse das audiências nesta época muito específica do ano em meses menos festivos, escasseiam os exemplos de programas – sejam de acção real ou em desenho animado – com o Pólo Norte ou a época das festas como pano de fundo. Mesmo a época 'áurea' para este tipo de conteúdo a que este blog diz respeito apenas rendeu um exemplo totalmente tematizado no período natalino (de que falaremos na Segunda de Séries mais próxima da festa em si) e um outro que, sem ser dedicamente natalício, tinha o Pai Natal como personagem recorrente, e um antagonista que pretendia tomar o lugar do bom velhinho; é sobre esta última que nos debruçaremos esta semana.

Trata-se de 'Bebés em Festa' (no original, 'Baby Folies') série animada francesa produzida em 1993 e transmitida nos dois canais da televisão estatal, em versão dobrada, a partir de 1996. Como o próprio nome indica, o programa debruça-se sobre as aventuras e desventuras dos habitantes de Vila Bebé, a localidade onde os bebés esperam pela cegonha que os levará aos futuros pais; no entrementes, os rebentos (que, apesar de ainda não terem tecnicamente nascido, já andam e falam, entre outras acções) desfrutam de uma sociedade totalmente funcional, com presidente da câmara, bares de 'leitinho', forças da lei, empresários, tecnocratas, detectives privados e até 'gangsters' ao estilo Al Capone, sem esquecer a 'menina' da praxe (a série segue, aliás, a 'fórmula Estrumpfe', sendo a Bebé Lauren uma das poucas personagens femininas, a par da Bebé Executiva.) E como se este conceito não fosse, já em si, suficientemente bizarro, os bebés têm, ainda, interacções frequentes com o Pai Natal (que surge mesmo 'fora de época') e com o malvado Scrogneugneu, um mago cujo objectivo máximo é tornar-se 'Pai Natal em vez do Pai Natal' - uma mistura algo aleatória de elementos que acaba, no entanto,por resultar.

Não que 'Bebés em Festa' seja uma série de particular destaque a nível técnico ou de enredos – pelo contrário, muitas das aventuras vividas pelos personagens (como a que apresentamos abaixo) poderiam perfeitamente ser transpostas para um contexto adulto sem que nada excepto alguns elementos superficiais se alterasse; nesse aspecto, o programa fica muito atrás do concorrente mais directo, 'Rugrats – Os Meninos de Coro', que tira o máximo proveito das potencialidades de um elenco composto por bebés (e a vontade de ver 'Rugrats' fica, ainda, exacerbada pela presença de algumas das vozes que davam vida a Tommy, Chucky e amigos em Portugal, aqui em papéis bem menos desafiantes, interessantes ou memoráveis.)

No entanto, para aquilo que é - entretenimento infantil descartável e sem pretensões à imortalidade nostálgica - 'Bebés em Festa' resulta, ainda que (como o excerto abaixo também demonstra) não seja tão inocente quanto à primeira vista parece, contendo elementos que apenas uma companhia europeia se atreveria a inserir num programa infantil – como se não bastasse o 'rebolado' da Bebé Lauren, o único excerto disponívell no YouTube mostra um enredo focado no vício do jogo (!) com personagens supostamente honestos a roubarem cofres (!!) e até uma cena que se pode interpretar como levemente racista para com o único bebé negro (!!!). Detalhes que terão, decerto, 'passado por cima da cabeça' do público-alvo da época, mas capazes de arrepiar qualquer produtor televisivo dos dias que correm.

Excerto de um episódio que apresenta alguns elementos surpreendentemente 'adultos'

Em última instância, no entanto, nem mesmo estes pormenores algo inesperados e chocantes chegam para tirar 'Bebés em Festa' da mediania, sendo o único elemento verdadeiramente longevo o tema de abertura, um daqueles que ainda se recordam literais décadas depois de o programa sair do ar; no restante, a série merece destaque apenas por ser uma das poucas que incorpora o Natal no seu conceito-base a tempo inteiro, ficando bastante aquém da maioria dos outros produtos nostálgicos de que aqui vimos falando desde o início deste 'blog' – bem como de outro, de conceito semelhante, que aqui paulatinamente abordaremos. Ainda assim, numa época que peca pela falta de foco ao nível das séries, esta produção francesa sempre vai sendo das poucas a 'dar o corpo à causa', fazendo assim por merecer estas breves linhas de destaque neste início de época festiva.

O contagiante genérico da série sobrevive mesmo a uma qualidade de som praticamente inexistente.

A banda desenhada fez, desde sempre, parte da vida das crianças e jovens portugueses. Às quartas, o Portugal Anos 90 recorda alguns dos títulos e séries mais marcantes lançados em território nacional.

Numa semana que temos vindo a dedicar exclusivamente ao mais popular herói de BD franco-belga em Portugal, Astérix, seria quase insultuoso deixarmos de analisar as adições feitas durante a 'nossa' década ao meio que o tornou conhecido; como tal, e porque a popularidade do pequeno gaulês durante a referida década não foi apenas retroactiva, dedicaremos as próximas linhas a uma breve visão geral dos dois álbuns alusivos ao mesmo lançados durante a última década do século XX.

Da autoria exclusiva de Albert Uderzo (que havia acumulado funções desde a morte do seu parceiro de criação, René Goscinny, uma década antes) qualquer destes álbuns constitui uma adição honrosa à colecção de aventuras do guerreiro gaulês e do seu rechonchudo melhor amigo, Obélix – ainda que o segundo dos dois volumes assinale, também, os primeiros vestígios do ligeiro decréscimo de qualidade que se faria sentir nos últimos dois álbuns assinados pelo ilustrador.

Antes, porém, havia ainda tempo para um último clássico, sob a forma de 'A Rosa e o Gládio', de 1991, que vê Astérix a braços com uma admiradora furiosamente feminista, e a ter que rever os seus conceitos sobre o lugar da mulher na sociedade, enquanto procura adaptar a sua linguagem e personalidade para não ofender ninguém. Uma premissa, ao mesmo tempo, divertida e relevante, que antecipa o movimento 'woke' com cerca de três décadas de antecedência, e cuja mensagem é transmitida de forma suficientemente caricatural para nunca parecer forçada ou piegas, tornando o álbum digno de figurar ao lado de outros clássicos da era pós-Goscinny, como o também excelente 'O Filho de Astérix', de 1983.

O mesmo não se pode, infelizmente, dizer de 'O Pesadelo de Obélix', lançado cinco anos depois e que, longe de ser mau, é no entanto menos memorável do que os seus antecessores directos. A trama não deixa de ser interessante, permitindo descobrir quão nefastos podem ser os efeitos da poção mágica de Panoramix sobre o perpetuamente 'super-poderoso 'Obélix, mas não chega, infelizmente, para elevar o álbum além daquele contingente de títulos de Astérix que tendem a ficar esquecidos por entre os clássicos absolutos, a exemplo de 'Astérix e o Caldeirão', 'Astérix e os Godos' ou 'O Grande Fosso'. Ainda assim, uma aventura bem divertida (embora se sinta a falta do sarcástico e inocente Obélix) e que vale a pena ter na colecção, quanto mais não seja em nome do completismo.

Infelizmente, e como já acima indicámos, estes dois álbuns representam o fim da 'época áurea' de Astérix; os dois primeiros livros do novo milénio (e últimos dois da 'era Uderzo', antes de a série ser 'cedida' a dois perfeitos desconhecidos), embora ainda de qualidade acima de qualquer suspeita, já revelam alguma falta de inspiração e ideias, ficando bem abaixo do que o universo cinematográfico do herói gaulês vinha produzindo ('Astérix e Obélix: Missão Cleópatra' é tão bom ou melhor do que qualquer álbum da fase clássica, e altamente recomendado a qualquer fã dos personagens de Goscinny e Uderzo). Quem deixou de ler a série nos anos 90, no entanto (fosse por decréscimo de interesse ou simplesmente pela entrada na idade adulta) teve a sorte de ainda se conseguir 'despedir' da série com a mesma em alta, através de dois bons livros que, ainda hoje, vale bem a pena tentar adicionar à colecção.

Em Segundas alternadas, o Anos 90 recorda algumas das séries mais marcantes para os miúdos daquela década, sejam animadas ou de acção real.

Um axioma popular bem conhecido dita que, quando alguma coisa faz sucesso (seja uma receita, uma peça de roupa, uma fórmula musical ou literária, uma consola, um jogo de vídeo ou cartas ou, como neste caso, uma série televisiva) inevitavelmente aparecerão imitadores directos, cuja intenção declarada é atingir um grau de sucesso semelhante com um mínimo de esforço, muitas vezes na base da cópia directa; foi assim com as Tartarugas Ninja (cujo concorrente mais directo talvez seja o mais bem sucedido exemplo deste fenómeno), foi assim com 'Pokémon' e 'Digimon' e, claro, não pôde também deixar de ser assim com os Power Rangers.

De facto, a popularidade imediata de que a série da Saban gozou entre o público infantil, aliada aos baixos custos de produção, faziam com que a aposta neste tipo de série fosse de baixíssimo risco, e de retorno financeiro quase garantido; assim, não é de surpreender que tenham sido vários os exemplos surgidos na senda do sucesso de 'Mighty Morphin' Power Rangers', muitos deles produzidos e lançados pela própria companhia que adaptara o conceito original.

Destas, duas chegaram a 'dar à costa' em terras lusitanas, sensivelmente ao mesmo tempo que a sua inspiração-mor (que, ao contrário das ditas, tinha sentido os efeitos da 'décalage' cultural que atrasava a chegada da maioria dos produtos estrangeiros à Península Ibérica, normalmente por períodos entre três a cinco anos) e, tal como esta, em versão dobrada em português, mas sem terem conseguido sequer uma fracção do seu sucesso, não obstante as circunstâncias e clima cultural extremamente favoráveis.

Falamos de 'Big Bad Beetleborgs' (que só uma década depois da sua estreia nacional teve direito a um título traduzido) e 'VR Troopers' (que nunca chegou a tê-lo) dois programas que adoptavam a fórmula pioneirizada por Mighty Morphin' – que misturava segmentos originais com actores norte-americanos a outros 'importados' directamente de uma qualquer série japonesa – sendo a única diferença a origem do material: enquanto que as diferentes séries dos Rangers eram adaptados dos chamados 'sentai'(séries sobre heróis em fatos às cores com enormes robôs, de que foi exemplo-mor em Portugal 'Turbo Ranger') estas duas séries procuravam importar para o Ocidente o outro grande género de programa deste tipo, o 'tokusatsu', que consistia de séries sobre heróis em fatos METÁLICOS às cores com enormes robôs. Uma diferença que pode parecer negligenciável, mas que ajuda a tornar algo como 'Kamen Rider' (o mais famoso exemplo do género) substancialmente diferente de qualquer série de 'Rangers' – mas que, inversamente, pode servir para explicar o porquê de nenhuma destas séries ter encontrado grande tracção entre o seu público-alvo, não indo qualquer delas além das duas temporadas.

E, no entanto, qualquer das duas via reunidas as condições para ter sucesso, não só se baseando numa fórmula com provas dadas (e já bem explorada pela mesma produtora) como também apresentando conceitos que, à época, faziam delirar a demografia-alvo, como a realidade virtual ou a banda desenhada de super-heróis; 'Beetleborgs' transformava mesmo os três protagonistas em crianças da idade dos próprios espectadores, à semelhança do que aconteceria mais tarde com o personagem Justin em 'Power Rangers Turbo'. No entanto, qualquer que tenha sido a razão – saturação do mercado, a sensação de ambas as séries não passarem de pálidas 'cópias' do original – a verdade é que nenhum dos dois conceitos se notabilizou o suficiente para merecer menção individual, ocupando sensivelmente o mesmo espaço, quer em termos de qualidade, quer de 'visibilidade' na memória nostálgica actual do público lusitano.

Ainda assim, nem tudo o que diz respeito a estas séries é totalmente deitado a perder; isto porque qualquer das duas tem genéricos de abertura quase tão 'radicais' como o dos 'padrinhos' Power Rangers, que constituem, de longe, o elemento mais memorável de ambas; de resto, nenhuma das duas merece, exactamente, mais do que o grau de notabilidade de que hoje goza, sendo ambas vistas hoje em dia (com total justiça, aliás) como o tipo de 'produto daquele tempo' que mais vale esquecer como simples 'desvario' de uma época diferente - como, aliás, indica o facto de ambas tenham sido 'repescadas', já no novo milénio, e prontamente voltado a ser ignoradas pela nova demografia-alvo, mais 'entretida' com produtos como 'Adventure Time', e sem tempo para 'tontices' antiquadas com fatos 'fatelas' e monstros de borracha...

Ambas as séries tinham nos excelentes temas de abertura o seu aspecto mais notável e memorável

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Em edições anteriores desta mesma rubrica, temos vindo a falar de alguns dos nomes mais incontornáveis da explosão pop-rock portuguesa dos anos 90; esta semana, chega a vez de juntar mais um nome a essa lista, nomeadamente um que pecava por omissão nas páginas deste blog, pela influência que teve sobre as ondas de rádio de finais do século XX e inícios do XXI.

Falamos dos conimbricenses Clã, o seminal conjunto fusionista que tem na voz de Manuela Azevedo o seu principal factor distintivo, e na experimentação inter-estilística o seu principal trunfo. Formados em 1992 (quando Manuela Azevedo ainda sonhava trabalhar em Direito, área em que estudava), a banda viria a alcançar o estatuto de que ainda hoje gozam cerca de meia década depois, através dos seus três primeiros álbuns, 'LusoQUALQUERcoisa' (estilizado assim mesmo, e lançado em 1996), 'Kazoo' (do ano seguinte) e 'Lustro' (de 2000); e se seria de 'Kazoo' que sairia aquela que se tornaria a música-estandarte do grupo, e um dos maiores sucessos portugueses de finais da década de 90 - 'Problema de Expressão' – seria com 'Lustro' que os Clã cimentariam o seu lugar no topo da hierarquia do pop/rock de fusão português, saindo vencedores em três das categorias dos Prémios Blitz desse ano, incluindo as de Melhor Banda Nacional e Melhor Álbum Nacional – um feito que, à época, era suficiente para lhes conferir o estatuto de 'semi-deuses' da música portuguesa.

Longe de descansar à sombra desses louros, no entanto, a banda continuou a desbravar caminho nos primeiros anos do novo milénio, colaborando com Sérgio Godinho num álbum ao vivo, 'Afinidades', e aceitando mesmo compôr uma banda sonora para um filme mudo – no caso o seminal 'Nosferatu', de F. W. Murnau, pioneiro dos 'filmes de vampiros' lançado em 1922 – como parte da iniciativa 'Porto 2001 – Capital Portuguesa da Cultura'. Três anos depois, saía 'Rosa Carne', quarto álbum do grupo, cuja recepção foi tão entusiástica quanto a dos três anteriores, sendo mesmo considerado um dos discos mais importantes da 'cena' portuguesa de 2004. No ano seguinte, saía o primeiro vídeo do grupo, 'Gordo Segredo', e um segundo disco ao vivo, desta feita uma edição dupla.

Daí em diante, os lançamentos continuaram a surgir a bom ritmo, tendo o grupo lançado mais seis álbuns de originais nos últimos quinzo anos, e conseguido manter a sua posição de destaque no panorama pop português, agora alicerçado na experiência e veterania de que o colectivo já goza. Para ouvintes mais 'casuais', no entanto, os Clã continuam, essencialmente, a ser 'aquela' banda que tocava 'Pois É!' e 'Problema de Expressão' na rádio, há vinte e muitos anos – o que, mesmo assim, é um legado mais honroso do que o de muitas bandas tão ou mais duradouras do que os conimbricenses...

NOTA: Este post é correspondente a Sexta-feira, 19 de Agosto de 2022.

Os anos 90 estiveram entre as melhores décadas no que toca à produção de filmes de interesse para crianças e jovens. Às sextas, recordamos aqui alguns dos mais marcantes.

Independentemente do tipo de educação e contexto que tenham tido durante a infância, há filmes que todos os portugueses se lembram de ter visto, pelo menos uma vez, durante esse período, seja por terem sido daqueles filmes que 'tinham' de se ver - à maneira de um 'Parque Jurássico', 'Space Jam' ou dos filmes lançados uma a duas vezes por ano pela Disney - ou simplesmente por se terem tornado 'clássicos' do aluguer em vídeo ou das emissões televisivas. O advento da TV Cabo - com os seus canais exclusivamente dedicados a filmes e, como tal, obrigados a mostrar repetidas vezes o mesmo material - veio exacerbar ainda mais esta tendência, e apresentar a toda uma geração mais uma série de 'clássicos' das tardes de fim-de-semana.

Um dos mais relembrados de entre essa 'safra' de filmes é 'Voando P'ra Casa', uma ficcionalização de uma história verídica sobre o elo entre uma jovem e um bando de gansos do Canadá, que revelou ao Mundo a promissora Anna Paquin, e que completa no próximo fim-de-semana um exacto quarto de século sobre a sua estreia cinematográfica em Portugal, a 29 de Agosto de 1997. Não terá, no entanto, sido nessa altura que a maioria dos jovens portugueses terá visto o filme, que, conforme acima referimos, se tornou presença assídua (quase perene) na grelha do Canal Hollywood e, mais tarde, de outros canais de cinema dos pacotes de cabo, onde pode ser visto até aos dias de hoje.

Baseado numa obra autobiográfica da autoria de Bill Lishman, 'Fly Away Home' (de seu título original) conta a história da jovem canadiana Amy Alden (Paquin, então com apenas treze anos) que, após a morte da mãe, é forçada a ir morar com o pai (Jeff Bridges), de quem terá de aprender como se aproximar; o seu processo de adaptação é, então, 'espelhado' na descoberta de um ninho de gansos do Canadá, também órfãos, que Amy acolhe e se empenha em criar o melhor que pode. Inevitavelmente, no entanto, chega a hora de ter que devolver os gansos à liberdade, um desafio que Amy terá de se esforçar por superar...

Anna Paquin com as verdadeiras estrelas do filme.

Há bons motivos para 'Voando P'ra Casa' ser considerado um clássico entre os filmes de família modernos; para além da constante repetição em diferentes canais do Cabo, a película tem tudo o que se requer de uma obra deste tipo: animais bebés fofinhos, momentos sentimentais (positivos e negativos), drama quanto baste, cenas marcantes e memoráveis (quem não se lembra de Amy a acompanhar os gansos na sua bicicleta, numa das cenas finais?) e também alguns momentos mais leves. Sem grandes coadjuvantes (além, é claro, dos com penas e asas), Paquin e Bridges provam-se mais do que à altura de 'carregar' às costas o filme com a primeira em particular a chamar a atenção pela interpretação adulta e multi-facetada. Apesar de não ser particularmente bem realizado ou 'espalhafatoso' (não que precisasse) é um filme que se vê muito bem até aos dias de hoje, e que certamente agradará a fãs de obras semelhantes, como a duologia 'Babe', também eles clássicos infanto-juvenis da época (e de que aqui, paulatinamente, falaremos); uma película, portanto, que vale bem a recordação por ocasião do vigésimo-quinto aniversário da sua estreia em Portugal.

Os anos 90 estiveram entre as melhores décadas no que toca à produção de filmes de interesse para crianças e jovens. Às sextas, recordamos aqui alguns dos mais marcantes.

A segunda metade dos anos 90 assistiu a uma espécie de 'segunda vaga' de um género cinematográfico que marcara a década anterior para milhões de adolescentes um pouco por todo o Mundo: o filme de terror em que um assassino em série persegue grupos de jovens, matando-os um a um por qualquer motivo esotérico, revelado no final do filme.

Este reviver do 'slasher film' não se dava, no entanto, exactamente nos mesmos moldes da década anterior. Isto porque, onde os anos 80 haviam sido um período marcado por uma mentalidade social de ingenuidade e optimismo, os dez anos seguintes viram essa atitude tornar-se, progressivamente, mais sarcástica e auto-consciente, acabando essa mudança, como é natural, por se reflectir nos trabalhos artísticos desse período; assim, onde filmes como 'Sexta-Feira, 13' ou 'Halloween' haviam sido feitos para serem levados a sério, os seus congéneres da década de 90 vinham pré-equipados com uma atitude auto-referencial, que os leva a serem considerados por alguns críticos como sátiras do próprio género.

Talvez o melhor exemplo dessa mesma tendência seja o primeiro desses filmes, e grande responsável por 'lançar' toda essa segunda vaga de 'slasher films' – 'Gritos', obra que viria a dar azo a todo um franchise (ao melhor estilo dos clássicos originadores do género anteriormente referidos) e que celebra por estes dias o vigésimo-quinto aniversário da sua estreia em Portugal, a 27 de Junho de 1997.

Realizado pelo mestre Wes Craven (de 'Hills Have Eyes' e 'Pesadelo em Elm Street') e tão ou mais conhecido pelas sequelas e paródias que suscitou (quem não se lembra da recriação da cena inicial no início de 'Scary Movie - Um Susto de Filme'?) como por mérito próprio, o primeiro 'Gritos' foi ainda responsável por adicionar outra cara icónica ao rol de vilões do género, na pessoa do carismático Ghostface – um assassino encapuçado e com uma máscara comprida de expressão triste, que rapidamente se tornaria tão reconhecível como Jason Voorhees, Freddy Krueger ou Michael Myers, com quem ombreia hoje em dia na galeria de 'monstros' deste tipo de filme.

Nem só do vilão, no entanto, vive este primeiro capítulo da série, que apresenta também uma Drew Barrymore adolescente, ainda a alguns anos de se tornar membro dos Anjos de Charlie, e que protagoniza precisamente a icónica cena de abertura (memoravelmente parodiada por Carmen Electra, no referido 'Um Susto de Filme'), um David Arquette então em alta (e a poucos meses de se tornar campeão de luta-livre pela WCW), a futura mulher deste último, Courteney Cox, e ainda nomes como Liev Schreiber e Neve Campbell, actriz que prometia bastante mas que nunca se notabilizou para além desta série de filmes. Este forte elenco ajuda a garantir prestações de qualidade num filme que, estando muito longe de ser uma obra-prima, deu nas vistas na época, e merece a reputação como clássico moderno do género.

A fórmula da série não seria, no entanto, aperfeiçoada até ao segundo filme, lançado nos Estados Unidos dois anos depois do original, mas que, em Portugal, surgiria com meros meses de diferença, em Fevereiro de 1998.

Muito menos preocupado em ser levado a sério que o primeiro, 'Gritos 2' investe ainda mais na auto-referência, satirizando não só o seu género de filme como a indústria de Hollywood em geral, maioritariamente pela boca do personagem de Jamie Kennedy, que trabalha numa loja de vídeos e, como tal, não tem qualquer pejo em tecer comentários sobre toda uma panóplia de filmes e práticas cinematográficas. No restante elenco, além do regresso de todos os 'repetentes' sobreviventes do primeiro, destaque para a presença de Sarah Michelle Gellar, na altura sinónima com o seu papel de lançamento como Buffy Summers, a Caçadora de Vampiros, mas que aqui surge como apenas mais uma vítima do regressado Ghostface. Muito mais divertido e menos estereotipado que o original – muito por conta das supracitadas auto-referências – 'Gritos 2' é o melhor dos cinco capítulos da franquia lançados até hoje, e merece ser visto por qualquer fã deste tipo de filme.

E já que falamos em humor auto-referencial, uma palavra para o terceiro capítulo, lançado no ano 2000 (já um pouco fora do âmbito do nosso blog) mas que merece ser abordado, por assinalar a altura em que a série decide dar o 'meio passo' que já a separava da paródia assumida, e tornar-se, assumidamente, uma 'horror comedy'.

É certo que muita da sátira fica reservada para o filme-dentro-do-filme, intitulado 'Stab' e baseado nos eventos do primeiro 'Gritos', mas a longa-metragem inclui também uma sequência mirabolante em que os personagens Jay e Silent Bob, criados pelo realizador de culto Kevin Smith, são vistos a visitar o estúdio em que o referido 'Stab' é filmado, e assistem em primeira mão à rodagem da cena final do filme, em que Shannen Doherty (a eterna rebelde Brenda, de Beverly Hills 90210) retira o capuz a Ghostface, e revela que este é...um orangotango! Juntamente com falas como 'tenho trinta e cinco anos e estou a interpretar uma personagem de vinte e um', estes elementos ajudam a transformar 'Gritos 3' na sátira ao género que a crítica tinha feito dos seus dois antecessores, mas que estes nunca haviam querido assumir totalmente.

Embora esse se afirmasse como o ponto ideal para terminar a franquia, no entanto, o dinheiro e a nostalgia falaram mais alto, e – talvez inspirados nos outros 'franchises' clássicos do género - transformaram a trilogia numa pentalogia.

Infelizmente, tanto 'Gritos 4' como o filme realizado já este ano são significativamente menos inovadores ou divertidos que os seus (já algo derivativos) antecessores, pelo que não será levado a mal qualquer entusiasta que resolva fingir que a série só tem, mesmo, três títulos - constituindo qualquer um desses três uma excelente experiência de 'cinema-pipoca', mesmo à medida dos adolescentes da viragem do milénio. Não é, portanto, de admirar que a franquia tenha 'caído no gosto' da referida demografia, integrando as memórias nostálgicas da mesma e sendo ainda recordada com afeição por muitos dos que a vivenciaram, mesmo um quarto de século depois do seu início.

NOTA: Este post é respeitante a Terça-feira, 21 de Junho de 2022.

A década de 90 viu surgirem e popularizarem-se algumas das mais mirabolantes inovações tecnológicas da segunda metade do século XX, muitas das quais foram aplicadas a jogos e brinquedos. Às terças, o Portugal Anos 90 recorda algumas das mais memoráveis a aterrar em terras lusitanas.

Os anos 90 foram palco não de uma, mas de duas das mais acirradas guerras comerciais da História, ambas no campo dos videojogos; primeiro, foram a Sega e a Nintendo a digladiar-se pela preferência dos 'gamers' da 'geração rasca' e, mais tarde, a Sony entrou também na contenda, transformando-a num combate a três.

Ou melhor, a guerra dos 32 bits foi, na verdade, travada a dois, já que a Nintendo nunca lançaria uma consola com esta potência: em vez disso, a casa de Super Mario apostaria, directamente, no salto para a capacidade de processamento seguinte, apresentando, em 1995, a singela mas explicitamente chamada Nintendo 64 – uma consola que, em teoria, seria capaz de feitos fora do alcance quer da 'rainha' Playstation, quer da 'nada-morta' Sega Saturn.

Na práctica, no entanto, a coisa era um pouco diferente; isto porque, ao passo que as suas duas 'concorrentes' haviam já adoptado o CD como modo de armazenamento preferencial, a Nintendo 64 optava ainda pelo já algo obsoleto cartucho. O que isto significava, na práctica, era que apesar de tecnicamente possuir o dobro da potência em 'bits', o 'tijolo' da Nintendo apresentava recursos gráficos e sonoros algo aquém das concorrentes – um paradoxo tornado ainda mais frustrante pelo facto de os jogos de Nintendo 64 serem, ao mesmo tempo, consideravelmente mais caros que os de qualquer das concorrentes. Assim, qualquer jovem que optasse pela consola da Nintendo em detrimento de qualquer das outras duas acabava por gastar mais dinheiro em menos jogos, e com recursos algo inferiores aos da Sony (melhor do que a Sega Saturn não era, convenhamos, difícil fazer...)

O 'reverso da medalha', no entanto, estava ligado ao facto de a maioria dos jogos mais conhecidos da 64 serem, pelo menos, tão bons quanto os títulos de topo da Playstation; podia não haver 'Final Fantasy VII' ou 'Metal Gear Solid', mas havia '007 Goldeneye' – ainda hoje considerado um dos melhores FPS de consola de sempre – 'Banjo-Kazooie', 'Pilotwings 64', a melhor versão alguma vez lançada de 'Mario Kart', dois dos melhores títulos de Zelda de sempre, o início da saga 'Super Smash Bros.', os primeiros títulos de 'Mario Party' e, claro, o impressionante 'Super Mario 64', um dos maiores feitos tecnológicos até então, e que deixou de 'queixo caído' todos quanto o viram em demonstração num qualquer hipermercado ou loja de brinquedos de bairro. Ou seja, uma aposta mais em quantidade do que em qualidade, e que garantia que os fiéis à companhia de Miyamoto não se sentissem defraudados ao investirem nos jogos da consola.

Alguns dos muitos excelentes títulos lançados para a Nintendo 64, a maioria pela própria Nintendo

Apesar deste impressionante acervo de títulos, no entanto – aos quais, desenganemo-nos, acrescia também muita 'palha' – a Nintendo 64 nunca conseguiu passar da segunda posição no pódio das consolas 'noventistas', batendo a Saturn (e a sucessora Dreamcast) mas perdendo em popularidade e vendas para a todo-poderosa Playstation. Ainda assim, quem chegou a ser dono da ambiciosa máquina da Nintendo (Manel, se estiveres a ler isto...torneio de Mario Kart na tua próxima festa e anos?) terá certamente tirado o máximo proveito dos seus títulos mais conhecidos (e até, quem sabe, de alguns dos menos bem conseguidos) e adquirido memórias que, hoje, serão certamente mais do que nostálgicas; a Nintendo 64 pode não ter sido a vencedora da Segunda Guerra Mundial das Consolas, mas o seu estatuto de culto é não só inegável, como também, francamente, merecido...