Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Apesar de não ser especialmente comum, o caso de um artista obter mais sucesso num país estrangeiro do que no seu de origem não é, de todo, inaudito; antes pelo contrário, o Portugal dos anos 90 assistiu a pelo menos três ocorrências deste fenómeno, com Iran Costa, em 1995, e Netinho, em 1998, a 'desbravarem caminho' para aquele que viria a ser o exemplo definitivo deste paradigma, tomando de assalto os 'tops' portugueses durante grande parte deste último ano, e batendo recordes de vendas para um único disco ainda hoje vigentes. Falamos, é claro, de Daniela Mercury, a cantora pop brasileira cujo quarto disco, 'Feijão com Arroz', atingiu em Portugal a marca de sêxtupla platina (correspondente à venda de quase 250 mil unidades) e inscreveu o seu nome no livro de recordes nacional como o álbum mais vendido de sempre no nosso País, além de dar às rádios nacionais um 'hit' perene para as suas 'playlists', na forma do single 'Nobre Vagabundo'.

À primeira vista, todo este sucesso pouco tem de invulgar; a surpresa chega quando se percebe que, apesar de ser já o quarto lançamento da cantora, este é o álbum de revelação de Daniela Mercury no mercado português. De facto, apesar de gozar já de enorme sucesso no seu país natal (onde 'Feijão com Arroz' é apenas o segundo álbum mais vendido da sua carreira, ficando atrás do anterior 'O Canto da Cidade') a cantora tinha, até então, sido incapaz de expandir o seu raio de acção a mercados internacionais, uma situação que mudou da forma mais drástica possível quando 'Nobre Vagabundo' pôs meio mundo a perguntar quanto tempo tinha para matar essa saudade, e um em quatro lares portugueses a investir na compra do disco – prova do poder que um single forte continua(va) a ter sobre o melómano casual.

Surpreendente é, também, o facto de – ao contrário da conterrânea Ivete Sangalo, alguns anos depois – o apelo de Mercury junto do público português não ter sido sustentado, não havendo registo de qualquer outro álbum na carreira da cantora cujos números sequer se aproximassem dos de 'Feijão com Arroz'. Assim, à semelhança do supracitado Netinho, Daniela veria o seu legado por terras lusitanas ficar-se por um single 'arrasa-quarteirões' e um disco recordista de vendas, não tendo qualquer destes dois factores almejado o seguimento que naturalmente se lhes previa; de facto, a cantora brasileira escapa por muito pouco ao rótulo de 'one-hit wonder' no contexto do mercado fonográfico em Portugal.

A carreira da cantora em si esteve longe de declinar após este marco, entenda-se – pelo contrário, Mercury viria a cantar com Alejandro Sanz e Paul McCartney (este último na cerimónia de entrega do Prémio Nobel da Paz) e tocar em conceituados festivais de jazz; em Portugal, no entanto, a natural da Bahia continua a ser conhecida, sobretudo, como a artista que, com apenas um único disco, conseguiu tornar-se o terceiro nome musical mais vendido de sempre no nosso País, apenas atrás de Julio Iglesias e do conterrâneo Roberto Carlos; no total, foram mais de um milhão de discos vendidos no último quarto de século – uma marca impressionante por parte de uma artista que dominou por completo os 'tops' de vendas em 1998, mas que continua a ser, sobretudo, conhecida por essa já decana façanha...

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Todas as cenas musicais as têm: aquelas bandas que ficam juntas durante pouco tempo, lançam talvez um ou dois álbuns, sem nunca almejar grande sucesso, mas adquirem um estatuto de culto que as faz permanecer relevantes entre os círculos de melómanos mais 'curiosos' durante várias décadas. O movimento pop-rock português não é excepção nesse aspecto, como bem demonstra o grupo que abordamos nesta Segunda de Sucessos, cujo único álbum continua a ser uma das grandes 'curiosidades' do estilo, tal como era praticado em Portugal na primeira metade dos anos 90.

Formados em Chaves no final da década anterior, o projecto conhecido como Adamastor começou por apostar numa sonoridade mais pesada, com letras em Inglês, que chegou a render uma 'demo' com dois originais e uma versão de Thin Lizzy; no entanto, a entrada do vocalista e compositor Artur Órfão mudou o idioma para Português e o som para um registo mais voltado para o pop-rock radiofónico, já com muito pouco a ver com o hard rock tradicional e conservador da maqueta.

Capa e contracapa do único álbum da banda.

De facto, o que se ouve no primeiro e único longa-duração da banda, editado em 1992 pela incongruente Espacial, rainha dos discos de 'pimba' de tabacaria ou estação de serviço (ao lado dos quais este disco muita vezes figura) está mais próximo de uns GNR do que das referências 'metálicas' nortenhas da época, como Xeque-Mate ou Tarantula, com músicas conduzidas, sobretudo, pela guitarra semi-acústica dedilhada - raramente se ouve um 'riff' electrificado na dúzia de temas que compõem o disco - pela percussão simples e compassada, tipicamente pop-rock, e pela voz dramática e meio declamada de Órfão, que traz muitos ecos de Rui Reininho, bem como uma pitada de Xico Soares (dos referidos Xeque-Mate), ainda que com mais talento e técnica do que este último. Uma fórmula que até poderia resultar, não fora a péssima produção (praticamente só se ouvem os três instrumentos atrás citados) e a desinspiração das composições de Órfão, que parece só saber escrever um único tipo de música, mudando apenas a letra e os arranjos. Aliado à dificuldade em ouvir as 'nuances' de cada tema, derivada da pobre produção, este factor faz com que o disco soe como um 'bolo' uniforme de música, sem que haja um único refrão memorável ou arranjo diferenciado que ajude qualquer das composições a destacar-se, o que torna a audição do disco algo penosa e retira a apetência para dar a habitual segunda ou terceira oportunidade a estes doze temas.

Assim, e dado o relativo insucesso do álbum, não é de surpreender que os Adamastor pouco mais tenham durado após a gravação do mesmo; com material mal produzido, aborrecido e parcamente promovido por uma editora totalmente errada, a banda estava condenada ao falhanço, e o principal contributo da mesma para a cena musical nacional continua, até aos dias de hoje, a ser a revelação do baterista Rui Danin, que viria posteriormente a fundar os Web – estes sim, uma banda de metal – e a colaborar com grupos tanto estabelecidos como emergentes da cena, como os supramencionados Tarantula (ídolos do metal nortenho), os Pitch Black, os Hyubris ou os ThanatoSchizo. Quanto ao único registo da sua primeira banda, certamente será encarado, hoje em dia, como um 'desvario' de juventude, cujo estatuto de culto se deve apenas ao seu relativo desconhecimento e raridade, e à presença de Danin entre os músicos participantes – uma situação que, face ao material apresentado, acaba até por ser algo lisonjeira...

A banda chegou a reunir-se em 2018, para tocar num evento local.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Hoje em dia, um grande concerto dado por um artista de renome internacional num palco com destaque não é, de todo, novidade para os melómanos portugueses, já que os cada vez mais incontáveis festivais de Verão ajudam, a cada ano, a colocar Portugal no 'mapa' musical mundial. Esta é, no entanto, uma situação relativamente recente, sendo que mesmo a maioria dos membros da geração 'millennial' se lembra de uma época da História em que havia menos de uma mão-cheia de concertos verdadeiramente 'grandes' por ano, normalmente dados em estádios, o equivalente da altura aos grandes pavilhões e palcos exteriores de hoje; e porque uma dessas raras ocasiões teve lugar há quase exactos trinta anos, a 11 de Setembro de 1993, iremos esta semana dedicar-lhe algumas linhas, depois de um erro de cálculo ter feito com que ignorássemos involuntariamente a efeméride na data do seu verdadeiro aniversário. Mais vale tarde do que nunca, no entanto, pelo que recordemos a passagem dos 'gigantes' Bon Jovi pelo Estádio de Alvalade, naquele fim de verão de há três décadas atrás.

O vocalista durante o concerto em causa.

Em 'estado de graça' após uma sequência de álbuns extremamente bem-sucedidos, o quinteto oriundo de Nova Jérsia aterrava no nosso País pela segunda de seis vezes para promover o seu à época mais recente álbum, 'Keep The Faith', lançado em finais do ano anterior e que liderava inclusivamente, naquela segunda semana de Setembro de 1993, as tabelas de vendas fonográficas portuguesas. E porque a passagem anterior datava já de 1989 (altura em que promoviam, no velhinho Dramático de Cascais, o também excelente 'New Jersey' - que, curiosamente, completa também  esta semana, a 19 de Setembro, exactos trinta e cinco anos sobre o seu lançamento) era compreensível a considerável excitação dos fãs quanto ao regresso da banda – uns porque não tinham tido ensejo de os ver quatro anos antes, outros porque queriam voltar a vibrar com os 'hinos' do grupo, ou simplesmente admirar os atributos físicos do vocalista e líder, um dos mais famosos e destacados 'sex-symbols' juvenis da década. Prova desse mesmo entusiasmo eram os diversos concursos radiofónicos alusivos ao concerto, e que permitiriam a alguns 'sortudos' visitar os bastidores da actuação e conhecer em primeira mão a banda.

O grupo promovia, à época, o álbum 'Keep the Faith', que liderava as tabelas fonográficas portuguesas naquele mês de Setembro de 1993.

UHF e Billy Idol – eles mesmos nomes destacados das respectivas cenas musicais – tinham naquela noite a ingrata tarefa de 'aquecer' um público a quem interessavam, sobretudo, os cabeças de cartaz; e a verdade é que, quando finalmente subiram ao palco, Jon e companhia não desiludiram, pondo em cena um espectáculo memorável, cujo ponto alto via Bon Jovi empunhar uma bandeira 'luso-americana', que depois atiraria para o público, num daqueles 'truques de palco' tão 'batidos' quanto eficazes. O alinhamento era, também ele, de luxo, dando previsível ênfase ao álbum mais recente, mas não esquecendo as 'malhas' do passado, e abrindo mesmo espaço a alguns 'covers' bem clássicos, de nomes como Jimi Hendrix. Foram quase exactas duas horas (incluindo dois 'encores') e mais de uma dezena e meia de temas de 'hard rock' radiofónico, daquele que, tendo já os dias contados, ainda ia subsistindo na era pós-Nirvana, muito por conta de grupos como os Bon Jovi, e espectáculos como os daquela noite em Alvalade.

A banda norte-americana ainda voltaria, aliás, uma segunda vez ao nosso País (e ao Estádio de Alvalade) durante a década de 90, pouco menos de dois anos depois, durante a turnê de 'These Days'; seguir-se-iam, já no Novo Milénio, mais três concertos, em 2008, 2011, e 2013, sempre no Parque da Bela Vista, em Lisboa, palco do famoso Rock In Rio. No entanto, para os fãs portugueses de uma certa idade, é aquela actuação em 1993 que fica na memória,sendo hoje considerada como um dos melhores concertos ao vivo da época. E para que essa mesma faixa demográfica possa recordar essa grande noite, e quem era, à época, demasiado novo para ir a concertos possa 'sentir' um pouco do que ali se passou, deixamos abaixo o concerto integral, com os cumprimentos do YouTube. Vejam, portanto (ou revejam), e tirem as vossas próprias ilações...

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Numa altura em que Lisboa (e Portugal como um todo) se encontra, ainda, na ressaca da actuação dos Blur no festival MEO Kalorama 2023, a parcela de espectadores desse concerto acima dos trinta e cinco anos estará, provavelmente, a recordar a época em que, pela primeira vez, se ouvia falar desta banda, juntamente com uma outra, supostamente arqui-rival, de seu nome Oasis. Corria o ano de 1995, eclodia no Reino Unido um movimento conhecido como 'Britpop', e as equipas de 'marketing' de ambos os grupos – com uma ajudinha da sempre hiperbólica comunicação social especializada – engendravam um plano infalível para introduzir dois dos principais grupos do movimento às audiências internacionais; nascia, assim, a 'guerra' Blur-Oasis, que ainda chegaria a dividir muitas opiniões durante aquele ano e o seguinte.

A narrativa desta suposta batalha era muito simples: os Blur, criadores de 'malhas' orelhudas e abertamente radiofónicas, e liderados pelo excêntrico Damon Albarn, eram posicionados como os 'meninos-bonitos' levemente irreverentes, enquanto os Oasis (co-liderados pelos voláteis, desbocados e 'gadelhudos' irmãos Gallagher) eram os 'roqueiros' 'feios, porcos e maus', sempre prontos a disparar mais uma asneira na direcção de um jornalista em dias de pior humor. Uma espécie de repetição da suposta rivalidade entre os Beatles e os Rolling Stones, embora agora, curiosamente, com os papéis invertidos, já que a banda abertamente inspirada por Lennon e McCartney era colocada no papel de 'vilã'.

Capa do 'NME' da época que 'atiçava' a 'fogueira'.

A razão para esta estratégia era simples: ambos os grupos promoviam excelentes duologias musicais, com os Blur a atingirem a fama com a 'dose dupla' de 'Parklife' (de 1994) e 'The Great Escape' (do ano seguinte), enquanto os Oasis respondiam com 'Definitely Maybe' (também de 1994) e o mega-sucesso '(What's the Story) Morning Glory' (de 1996). E apesar de os dois grupos nem sequer se aproximarem por aí além sonicamente – os Blur tocavam pop-rock com sopros, enquanto os Oasis faziam um rock alternativo movido a guitarradas – os 'singles' que ambos lançavam precisamente no mesmo dia 14 de Agosto de 1995 ('Country House' e 'Roll With It') foram, imediatamente, posicionados numa espécie de 'duelo dos tops', que acabou por ser apenas mais uma 'acha' para uma 'fogueira' já 'ateada' em pleno; durante um par de Verões, simplesmente não foi possível a qualquer fã de música 'mainstream' com guitarras ficar indiferente a esta suposta rivalidade, com a maioria dos jovens (portugueses e não só) a escolherem e defenderem acirradamente um ou outro dos dois grupos (por aqui, éramos da 'equipa Oasis').

Escusado será dizer que, como todas as estratégias de marketing, também esta acabou, eventualmente, por perder a eficácia, e quando os dois grupos voltaram a lançar álbuns, em 1997, já ninguém alimentava o suposto duelo entre ambos; cada um tinha a sua base de fãs e, embora as duas ainda pouco ou nada se interceptassem, a 'coisa' não passava muito daí. Ainda assim, para quem viveu aqueles anos de 1995 e 1996 como fã de música electrificada – e recordou a sua juventude frente ao palco do Kalorama – esta 'guerra' terá sido, pelo menos, tão vital quanto os eternos duelos entre Sega e Nintendo, ou entre a Pepsi e a Coca-Cola. A questão que se põe é, portanto, se cada um terá mantido o seu 'alinhamento' até aos dias de hoje, ou eventualmente 'desertado' para o 'outro lado'...

Quem ganha? Tirem as vossas próprias conclusões.

NOTA: Este 'post' é correspondente a Sábado, 26 de Agosto de 2023.

As saídas de fim-de-semana eram um dos aspetos mais excitantes da vida de uma criança nos anos 90, que via aparecerem com alguma regularidade novos e excitantes locais para visitar. Em Sábados alternados (e, ocasionalmente, consecutivos), o Portugal Anos 90 recorda alguns dos melhores e mais marcantes de entre esses locais e momentos.

Os festivais de música ao ar livre vêm-se, desde há três décadas, afirmando como um dos principais elementos do Verão português, a ponto de quase fazerem falta quando não se realizam, como durante a época de pandemia em 2020-21. Mas se cada ano parece adicionar mais e mais eventos deste tipo ao já preenchido calendário estival, continua a haver apenas um certo e determinado número de festivais verdadeiramente icónicos e sinónimos com esta época do ano, alguns dos quais entretanto desaparecidos (como o saudoso Ermal) e outros que celebram por esta altura aniversários históricos. O Festival do Sudoeste, por exemplo, comemorou o ano passado os seus vinte e cinco anos, e, este ano, é a vez de outro nome sonante da cena 'ao vivo' estival lusitana ter atingido um marco 'de respeito', ao assinalarem-se os trinta anos sobre a primeira edição do lendário Festival Paredes de Coura.

Celebrado anualmente, em Julho e Agosto, na região com o mesmo nome, no Alto Minho, o coloquialmente chamado 'Couraíso' perfila-se, a par do não menos icónico Vilar de Mouros, como o mais destacado festival de música da região Norte de Portugal, tendo, ao longo das suas três décadas, atraído um sem-número de artistas de renome aos seus palcos, e tornado-se local de 'romaria' quase obrigatória para os fãs de pop-rock e rock alternativo portugueses. O que poucos dos que anualmente rumam à Praia Fluvial do Tabuão saberão, no entanto, é que as origens do seu 'paraíso' musical anual remontam a uma era em que muitos deles ainda nem sequer eram nascidos - nomeadamente, ao ano de 1993, quando um grupo de amigos do município decide, de forma independente, organizar um festival de música. Para esse efeito, criam panfletos feitos à mão e impressos de forma não menos artesanal e, aproveitando algum apoio monetário da Câmara Municipal, começam a contactar bandas, com o objectivo de formar um cartaz. Após vários altos e baixos - todos contados com enorme humor por um dos organizadores no podcast do Expresso dedicado à História do festival - acabam por conseguir confirmar cinco nomes, todos nacionais: Ecos da Cave, Gangrena, Cosmic City Blues, Boubacaba e Purple Lips actuam num palco improvisado a 20 de Agosto de 1993, configurando aquele que foi, efectivamente, o primeiro cartaz de Paredes de Coura.

Cartazes da primeira e segunda edições do certame.

E a verdade é que a perserverança dos organizadores rendeu dividendos: aquele primeiro festival foi bem-sucedido o suficiente para, no ano seguinte, atrair uma banda tão conhecida e respeitada na cena nacional como os Ena Pá 2000, que se juntavam aos históricos Tédio Boys e a mais quatro bandas (incluindo duas repetentes da primeira edição) num cartaz bastante mais atractivo que o do ano anterior. E se 1994 já representou um considerável avanço em relação ao primeiro ano, 1995 elevou o festival a ainda outro nível, podendo considerar-se o ano em que Paredes de Coura verdadeiramente 'explodiu'. Blind Zero, Braindead, Pop Dell'Arte, More República Masónica e Primitive Reason formavam parte de um cartaz ainda cem por cento nacional, mas nem por isso menos atractivo - antes pelo contrário. O ano intermédio da década de 1990 é, ainda, histórico por ser o primeiro (e único) em que o festival foi dividido entre dois dias, no caso 19 e 20 de Agosto.

A partir daí, foi sempre a somar: logo no ano seguinte, o festival passa a ter três dias de duração, durante os quais actuam nomes de monta do panorama nacional, como Da Weasel, e, há exactos vinte e cinco anos, acolhe os primeiros artistas internacionais a pisar os seus palcos, com Red House Painters, Atari Teenage Riot, Anne Clark, The Divine Comedy e Tindersticks a juntarem-se a ídolos nacionais como Moonspell, Clã, Zen, Blind Zero, Belle Chase Hotel e os então 'enormes' Silence 4. A edição seguinte, última do século XX - que trazia nomes como The Gift, Lamb, Gomez, dEUS, Suede, Mogwai, Sneaker Pimps e uns Guano Apes então em estreita relação com o nosso país, é considerada pelo próprio organizador João Carvalho como a apoteose do festival, e a garantia de que o mesmo perduraria ainda durante muitos anos. E a verdade é que, desde então, já lá vão vinte e três, sem que o festival perca a força, relevância ou fama entre os fãs de boa música independente em Portugal e no estrangeiro - antes pelo contrário, como o comprova a sua colocação entre os melhores festivais de música da Europa por parte da prestigiada revista Rolling Stone, em 2005. Parabéns, Paredes de Coura - e que continues a ser uma referência na cena 'ao vivo' nacional durante ainda mais trinta anos.

NOTA: Este post é respeitante a Segunda-feira, 21 de Agosto de 2023.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Eram parte obrigatória de qualquer Verão da segunda metade dos anos 90; assim chegava o calor, lá surgiam nos escaparates tanto de lojas de discos como de tabacarias, papelarias e estações de serviço de Norte a Sul do País, entre os últimos de Marco Paulo, Ana e José Malhoa, Excesso ou Santamaria, além das compilações Electricidade. Destacando-se de entre esta 'maralha' pelas capas coloridas a evocar o calor dos trópicos em que as músicas que continham abertamente se inspiravam, acabavam invariavelmente por fornecer a banda sonora para muitas festas de Verão, quer nas discotecas e bares da moda, quer simplesmente em quintais, casas de praia ou caravanas particulares.

Capa do primeiro volume da série.

Falamos das compilações 'Caribe Mix', presença familiar e expectável do Verão musical português desde 1996 - a tal ponto que, mau-grado a sua natureza de compilação (hoje facilmente substituível por uma qualquer 'playlist' de Spotify ou Apple Music) foram dos poucos títulos do seu tipo a sobreviver à passagem da música em geral para meios digitais, continuando um novo título a ser lançado anualmente, em formato físico, até aos dias que correm, estando 'Caribe Mix 2023' já disponível em lojas como a FNAC. Um autêntico testamento ao sucesso, popularidade e, sobretudo, eficácia de uma fórmula que se mantém largamente inalterada (mudando apenas, obviamente, os artistas) há vinte e sete anos!

Oriundos da vizinha Espanha (o que explica a sua omnipresença e sucesso em Portugal) estes discos tendem, a cada ano, a produzir um ou dois verdadeiros 'hits' - os quais, naqueles distantes anos da era pré-MP3, era, normalmente, suficiente para justificar a compra. O primeiro volume, por exemplo, trazia 'Ritmo de La Noche', de Mystic - hino de dança latino ainda hoje tocado em festas e eventos semelhantes - enquanto 'Caribe Mix 2' trazia 'Samba de Janeiro', de Carrillio, e o 'hino pimba' 'É o Tchan', do grupo com o mesmo nome. Além destes êxitos autênticos (e, por vezes, 'repetentes' entre discos) cada nova edição trazia, também, pelo menos uma 'cover' 'manhosa' de um legítimo 'hit' latino, com algumas a repetirem entre anos, por artistas nominalmente diferentes (caso de 'La Copa de La Vida', que foi 'versionada' tanto pela Bocachica Band como por Los Fernandos - dois nomes cujas únicas outras aparições são em outras compilações da mesma Open Records, levando a crer que se trate de bandas 'da casa', formadas e recrutadas precisamente para esse propósito.

Na era das músicas soltas, é de crer que estes já não sejam factores aliciantes, mas também não será estranho que a referida série continue a 'soltar' uma ou outra música para as 'playlists' estivais de sítios com climas tão 'calientes' quanto as suas capas. Goste-se ou não, no entanto, há que louvar e admirar a longevidade e êxito continuado de uma série que 'agita' ininterruptamente os Verões Ibéricos há mais tempo do que alguns dos leitores mais jovens deste 'blog' têm de vida.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Qualquer propriedade intelectual que consiga algum sucesso – seja entre o público infanto-juvenil ou mesmo entre os mais 'crescidos' – estará sempre sujeita ao aparecimento de produtos que tentam utilizar a sua imagem para vender algo pouco ou nada relacionado com a mesma. Mas enquanto que a utilização dos sobrinhos do Pato Donald como porta-voz de cereais ainda pode ser vista como uma conexão com algum sentido, o mesmo não se pode dizer da presença de Songoku e seus amigos na capa de um CD de Europop.

Um dos mais bizarros produtos já abordados no Anos 90 (crédito da imagem: OLX).

Que a maior febre de recreio de sempre em Portugal não poderia nunca ficar imune a este fenómeno era um dado adquirido; a estranheza vem do método escolhido para capitalizar sobre a popularidade da série. Isto porque, das sete músicas de 'Dragon Ball Z - Vivam os Meus Amigos' (lançado em 1997, no auge da popularidade da série) apenas as três escritas propositadamente pelo chefe do projecto, Fernando António dos Santos ('Kameame', 'Saber Ser Guerreiro' e 'Dragon Mix',) tentam estabelecer ligação com o 'anime' de Akira Toriyama, não constando sequer do alinhamento os lendários temas de abertura de qualquer dos (então) dois capítulos da saga. Mais – as músicas tão-pouco são interpretadas pelos actores da série, ficando, em vez disso, a cargo de vocalistas genéricos, alguns sem sequer direito a apelido nos créditos, caso do vocalista principal Cândido ou de uma tal Ana Margarida.

Quanto ao estilo musical, é o que se poderia esperar – um Eurodance marcadamente 'pimba', típico do período, e que não ficaria a mais num disco dos Excesso, D'Arrasar ou Santamaria (bandas que Cândido e os seus comparsas parecem, aliás, estar a tentar imitar.) Quem esperava algo mais tolo ou divertido, ao estilo de uns Aqua, poderá ficar desapontado, mas aqueles para quem a presença de Songoku na capa já constitui razão suficiente para a compra serão, sem dúvida, menos exigentes – à semelhança, aliás, dos responsáveis por este projecto, que nem sequer se preocuparam em colocar a imagem correcta na capa, já que o CD é alusivo a Dragon Ball Z, mas a ilustração é retirada do ÍNÍCIO da série original, com Songoku pré-adolescente e ainda de 'kimono' azul, e Yamcha com a sua roupa de fora-da-lei, antes de ambos trocarem as respectivas vestes pelo tradicional vermelho da escola do Mestre Tartaruga Genial!

'Vivam os Meus Amigos' destaca-se, assim, sobretudo pelo fascínio exercido por uma obra que consegue não acertar plenamente em absolutamente NADA, e cuja própria existência é, em si mesma, fascinantemente bizarra, justificando os elevadíssimos preços que o disco consegue em sites de leilões. Para quem ainda nutra alguma curiosidade mórbida quanto ao que se pode ouvir nesta 'pérola' da exploração comercial, fica abaixo o álbum completo, para que possam ser tiradas conclusões próprias...

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Todo e qualquer período temporal contemporâneo é definido – entre outros factores – por um número mais ou menos restrito de composições musicais, cuja audição é, a qualquer momento, suficiente para transportar o ouvinte para determinada altura da História, seja da sua pessoal, seja da mais vasta e global; e, para grande parte das gerações 'X' e 'Millennial' portuguesas, uma dessas músicas envolve uma vocalista de voz rouca a perguntar repetidamente o que se passa.

Sim, essa mesmo – 'What's Up?', das 4 Non Blondes, um grupo de três 'senhoras' e um 'cavalheiro' (nenhum dos quais, como o nome indicava, de cabelo sequer remotamente loiro) praticante de pop-rock 'com guitarras' e levemente alternativo, e que, na transição do ano de 1992 para 1993, produziria uma das músicas mais icónicas, reconhecíveis e bem-sucedidas de toda a década, que ajudaria a catapultar as vendas do seu único álbum, lançado na Primavera anterior. E ainda que rotular a banda de 'one-hit wonder' seja algo injusto – o outro 'single' do álbum, 'Spaceman', conheceu também, à época, algum sucesso – é inegável que a balada em causa constitui mesmo o principal legado de um colectivo que, em termos discográficos, não resistiria à passagem para a segunda metade da década de 90.

A formação clássica do grupo.

Ainda assim, nos dois anos em que brilhou intensamente nos 'tops' mundiais, a banda comandada pela carismática Linda Perry – e que contava ainda com Christa Hillhouse, Shaunna Hall, e com o baterista luso-descendente Roger Rocha, único representante masculino no grupo, que substituiu Dawn Richardson já depois de terminadas as gravações – conseguiu conquistar o apoio do público LGBT, passar mais de um ano ininterrupto no mais famoso 'top' musical do Mundo (a tabela da Billboard norte-americana) e vender mais de um milhão e meio de cópias do seu único álbum de estúdio.

O único álbum do grupo, de onde saíram os sucessos 'What's Up?' e 'Spaceman'.

À entrada para o ano de 1994, tudo parecia correr de feição ao grupo californiano, que lançava um álbum ao vivo, gravado em Itália, e contribuía com faixas para bandas-sonoras de filmes de grande orçamento (a segunda parte de 'Quanto Mais Idiota Melhor' e o muito semelhante 'Cabeças de Vento', com Adam Sandler, Brendan Fraser e Steve Buscemi) e para tributos aos Carpenters e aos Led Zeppelin – dois grupos que ilustravam bem a panóplia de influências da banda.

Mas como tudo o que é bom chega, inevitavelmente, ao fim, ainda nesse mesmo ano, dá-se o choque: Linda Perry deixa o grupo de que se tornara imagem de marca. Sem qualquer desejo (nem hipótese) de substituir tão carismática figura, e tão inimitável voz, resta apenas ao grupo separar-se, pondo final a uma trajectória que nem chegaria a durar meia década, mas que deixaria pelo menos um marco incontornável na História do pop-rock radiofónico de finais do século XX – isto, claro, como grupo, já que Perry contribuiria, na qualidade de co-autora e produtora, para colocar muitas mais faixas históricas e memoráveis nos 'tops' mundiais, interpretadas por nomes como Pink, Christina Aguilera, Alicia Keys, Gwen Stefani, Courtney Love ou Kelly Osbourne.

Ao contrário do que sucede com tantas outras bandas, as 4 Non Blondes não se voltariam a reunir, excepção feita a um concerto de beneficência em prol do centro de acolhimento para jovens LGBT, em Maio de 2014, e à participação de Hillhouse e Hall na 'tournée' a solo de Linda Perry. Assim, o quarteto de 'não-loiros' acaba, voluntariamente, por se afirmar como um grupo 'do seu tempo', e que provavelmente teria tido menos espaço e impacto após o 'boom' do pop-rock alternativo e melancólico, na segunda metade dos anos 90. Ainda assim, para um colectivo com tão curto tempo de vida, as 4 Non Blondes conseguiram assegurar que o seu nome fosse lembrado por pelo menos duas gerações de melómanos ao redor do Mundo, Portugal incluído – e fizeram-no através de uma frase tão simples quanto 'I said hey, what's going on?'

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Na última Sessão de Sexta, abordámos aquele que foi um dos filmes de maior sucesso no ano de 1993 – 'O Guarda-Costas', o drama romântico que unia o então galã 'de primeira' Kevin Costner à mega-popular diva pop Whitney Houston, que fazia assim a sua estreia cinematográfica. No decurso dessa peça, referimos também que o sucesso da referida película havia sido consideravelmente ultrapassado pelo da sua banda-sonora, que se viria a tornar o LP mais vendido do ano em Portugal e um pouco por todo o Mundo; agora, chega a hora de expandirmos um pouco essa temática, e analisarmos mais a fundo um daqueles 'mega-sucessos' discográficos como cada vez vai havendo menos.

A banda sonora d''O Guarda-Costas' segue o mesmo modelo de outras, como 'Tarzan', da Disney, cujo principal destaque é a presença de um compositor ou intérprete – neste caso, a própria cantora, que se encarrega de metade das faixas do álbum (a outra metade pertence a nomes como Kenny G, Lisa Stansfield ou Joe Cocker, todos, como Houston, com temas inéditos e gravados em exclusivo para o filme). Assim, mais do que uma banda sonora comum, este álbum acaba por afirmar-se quase como um novo EP (ou mini-LP, como eram conhecidos na altura) de Whitney, podendo os fãs da cantora ignorar a segunda metade do álbum, se assim desejarem, e focar-se apenas na mão-cheia de músicas inéditas da sua 'diva' favorita – um aspecto que talvez tenha contribuído para as vendas astronómicas deste álbum à época (além, claro está, da popularidade do filme em si).

Outro factor determinante na 'cavalgada' deste disco para o topo das tabelas discográficas de Portugal e do Mundo é o facto de o primeiro dos seis novos temas, e faixa de abertura do álbum, ser 'I Will Always Love You', tema-estandarte de Whitney Houston, e talvez o mais popular dos seus muitos sucessos. E a verdade é que a faixa merece a aclamação de que goza, apresentando uma prestação portentosa por parte da cantora, que ajudaria a cimentar a mesma no panteão de grandes vozes da música moderna. Entre as restantes, destaque também para 'I'm Every Woman', um clássico da era 'disco' originalmente gravado por Chaka Khan e que mostrava a versatilidade da cantora, ao mesmo tempo que prestava homenagem a influências como Aretha Franklin, Tina Turner ou a própria intérprete original da música.

Em suma, analisando os factores em torno do sucesso desta banda sonora, torna-se fácil perceber a razão do mesmo, que passa por uma estratégia de 'marketing' inteligente, que aliava a presença de um nome sonante da música pop da época a temas exclusivamente originais (ainda que muitos fossem versões de músicas gravadas em décadas anteriores por diferentes artistas), cerca de metade dos quais interpretado pela própria 'estrela' – uma combinação que ajudou a fazer deste disco o mega-sucesso que constituiu, e que torna surpreendente o facto de essa mesma abordagem não ter sido repetida com maior frequência.

À distância de trinta anos, e com um panorama musical significativamente diferente, a banda sonora original de um filme romântico entretanto esquecido pode parecer uma escolha estranha para o posto de disco mais vendido mundialmente, seja em 1993 ou em qualquer outro ano; a verdade, no entanto, é que o 'star power' de Whitney Houston naqueles inícios de 90 era tal que chegava, por si só, para causar esse efeito, e tornar este álbum num dos 'objectos de estudo' do mercado musical de finais do século XX.

Qualquer jovem é, inevitavelmente, influenciado pela música que ouve – e nos anos 90, havia muito por onde escolher. Em segundas alternadas, exploramos aqui alguns dos muitos artistas e géneros que faziam sucesso entre as crianças daquela época.

Os anos finais do Segundo Milénio foram um período notoriamente inclemente para Portugal no que ao Festival da Eurovisão diz respeito, com o País a ser, inevitavelmente, eliminado da meia-final ou – na melhor das hipóteses – 'corrido' nos últimos lugares da tabela classificativa, com os já famosos 'null points'. No entanto, conforme recordámos aquando da nossa retrospectiva por alturas do Festival no ano transacto, houve, durante essa fase menos boa, duas excepções à regra (curiosamente, em anos consecutivos) que não só conseguiram boas classificações na Eurovisão, mas também tornar-se sucessos de vendas após o fim do mesmo. Um deles foi 'Chamar a Música', grande êxito da vencedora do 'Chuva de Estrelas', Sara Tavares; o outro, um ano antes, foi 'A Cidade Até Ser Dia', música-título e de apresentação do terceiro álbum de Anabela Vaz Pires, normalmente conhecida apenas pelo seu primeiro nome. E porque, aquando da Eurovisão deste ano, deixámos passar a oportunidade de falar deste 'megahit' que então completava trinta anos, vimos agora – cerca de um mês depois – falar daquele que foi um dos maiores êxitos do Verão de 1993, e da carreira da cantora ainda adolescente, mas já veterana, que o levou aos palcos internacionais.

De facto, o que muitos dos que trautearam e parodiaram esta música durante o seu momento de fama talvez nunca tenham sabido é que o tema em causa estava longe de representar a revelação daquela 'miúda' de dezasseis anos e 'carinha laroca'; pelo contrário, antes da exposição mediática granjeada pelo concurso europeu de música, a faixa era apenas mais um 'single' numa carreira que começara oito anos antes, e cujo primeiro registo, um LP-single intitulado 'Rock do Amor', havia sido lançado ainda antes de Anabela atingir a puberdade. Tão-pouco era esta a primeira aventura de Anabela pelos palcos internacionais, já que, quatro anos antes do festival em causa, já a menina de então apenas doze anos se havia sagrado vice-campeã no Festival de Música da UNICEF, do qual também traria um prémio especial relativo à melhor interpretação. Dois anos depois – em 1991, mesmo ano em que sai o disco de estreia – Anabela tem nova aventura internacional, ao participar, com apenas catorze anos, no Festival Internacional da Canção de Sopot, na Polónia.

Torna-se, pois, aparente que, apesar da tenra idade, a Anabela que traria honra a Portugal na Eurovisão pela primeira vez em várias décadas era tudo menos uma iniciante, tendo já passado, literalmente, metade da sua vida a cantar, ou em palco. Ainda assim, para muita gente, aquela omnipresente faixa 'europeia' foi mesmo o primeiro (e último) contacto com a jovem artista, que continua até hoje a ser um dos mais famosos 'one-hit wonders' da música portuguesa.

De facto, e curiosamente, seria noutro campo completamente distinto que Anabela se viria a consagrar – nomeadamente, no teatro de revista, onde se tornou uma das 'musas' do monopolista Filipe La Féria. A restante carreira da cantora seria, assim, passada a alternar entre estas duas paixões, tendo mesmo a música passado, a dada altura, para segundo plano – Anabela lançaria apenas mais dois álbuns nos anos noventa, antes de embarcar num hiato discográfico de cerca de uma década, tendo todo o seu foco passado a centrar-se no teatro.

Mesmo quando decide regressar às edições musicais, em 2005, a cantora deixa bem claro que não pretende seguir no mesmo registo dos seus anos de adolescência, optando por uma veia mais experimental em 'Aether', cujas faixas consistem de poemas da autoria de alguns dos maiores poetas portugueses. O álbum seguinte, lançado cinco anos depois, optaria por uma abordagem exactamente inversa, apresentado versões de músicas do chamado 'nacional-cançonetismo', num registo mais leve e popular; novo disco de originais, no entanto, só em 2015, já depois de Anabela ter sido uma das 'Vozes do Coração' na colecção homónima de discos lançada pelo Correio da Manhã dois anos antes. 'Casa Alegre' é, aliás, o último registo da cantora até à data, sendo que o foco de Anabela se encontra, presentemente, na família, tendo a mesma sido mãe pela primeira vez em 2017.

Anabela na actualidade

Para a maioria da população portuguesa, no entanto – pelo menos para quem não aprecia 'revistas' – Anabela será, para sempre, aquela jovem de vestido branco-creme, cujo tema de participação na Eurovisão serviu de base, durante aquele ano, para um sem-número de paródias, anedotas, e outras criações do tipo hoje conhecido como 'meme'; a música, essa, continua a 'alojar-se' de imediato no cérebro de quem sequer ouse pensar nela, e, trinta anos após o seu lançamento e período de maior sucesso, continua a merecer o estatuto que granjeou como parte da cultura popular portuguesa moderna. 'Quaaando caaaaai a noooooite naaaa cidaaaaadeeee...'